Texto y Fotos : José Manuel Serrano Esparza.
18 de julio de 2024. 7:30 h de la mañana. Amanece junto al Est-Art Space de Alcobendas (Madrid).
Han transcurrido siete años desde que Javier Montorcier Cambra y Maite Sánchez Ureña, dos visionarios entusiastas del arte y la fotografía, decidieron canalizar su pasión fundando este centro artístico multidisciplinar dedicado a la promoción, exposición y venta de obras fotográficas y artísticas, así como la celebración de todo tipo de eventos culturales.
Ha sido una singladura repleta de obstáculos, con momentos durísimos, trabajando a destajo, sin buscar el " éxito " deprisa y corriendo y como sea, haciendo las cosas con criterio, prudencia, conocimiento e inefable amor por lo que más les gusta, con mentalidad de corredores de fondo.
Siete años de lucha titánica, intentando educar en el arte, romper tópicos sobre las galerías como lugares fríos y asépticos, fusionar ocio y cultura y dar toda la visibilidad posible a los autores, además de realizar una amplia gama de exposiciones, talleres, mesas redondas, conferencias, etc, supervisando personalmente y de modo artesanal una pléyade de aspectos importantes.
Desde su inauguración el 12 de junio de 2024 se está desarrollando dentro de este centro artístico la 4ª edición de la Exposición Fotográfica Colectiva de Fotografía White Balance,
en la que están presentes las imágenes de nada menos que 26 fotógrafos y fotógrafas, de los cuales un porcentaje significativo son reconocidas figuras de talla nacional e incluso internacional y otros son artistas emergentes en el ámbito de la fotografía :
Ana Tornel, Asociación Fotográfica San Sebastián de los Reyes ( María Jesús Garzón Paredes / Xavier Ferrer Chust / Daniel Aguilera García / Puri Moreno Marín / Diego Pedra Venzal / Librada Martínez Cano / Vicente Calzado Requena / José Ramón Vida de la Ossa), Esther Garrison, Francesco Pintón, Giordano Raigada, Josefina Trepte, Juan Gil Segovia, Lucía Gorostegui, Marian Calvorrey, Óscar Rivilla, PIC.A, Puri Díaz, Rocío Bueno, Ruth Peche, Colectivo Slow Photo ( Jesús Limárquez / J.M.Magano / Rubén Morales / José Manuel Poyatos / Oliver García) y Victoria Tofer, además de incluir el proyecto de Paco Díaz “Bajaré hasta llegar arriba”, que forma parte del recorrido Off de PhotoESPAÑA.
Hoy es un día especial en el que va a tener lugar a partir de las 19:00 h de la tarde un evento con coktail y visita guiada protagonizada por varios de los fotógrafos integrantes de esta Exposición Fotográfica Colectiva White Balance, que hablarán a los invitados (entre los que hay abundantes personalidades del mundo de la fotografía y el arte, algunos de ellos historia viva de la fotografía en España) sobre sus imágenes.
17:00 h de la tarde. La puerta de acceso a la gran sala de entrada y exposición permanente con las salas 1 y 2 del Est_Art Space de Alcobendas deja entrever las letras " Art Feeds People, People Feed Art " ( El Arte Alimenta a las Personas, Las Personas Alimentan el Arte " ) inscritas en una de las cuatro elegantes mesas que jalonan su superficie.
Todavía reina el silencio, porque faltan dos horas para el comienzo de un evento fotográfico que será inolvidable y dejará una huella indeleble en la memoria de todos los presentes.
Pero las grandes vitrinas llenas de imágenes tanto en blanco y negro como en color, realizadas por distintos autores con estilos y temáticas diferentes, son un deleite para cualquier aficionado a la fotografía y el arte, en sinergia con el esmero, precisión y meticulosidad con el que están distribuidos los espacios expositivos.
Nada más entrar en esta Sala 1, a la izquierda está desplegada la instalación fotográfica " Bajaré Hasta Llegar Arriba ", realizada por Paco Díaz, con la que PhotoEspaña ha acogido a Est_Art Space Alcobendas este año 2024 y que está integrada con fotografías de retratos en mármol de la antigua Roma impresos sobre tela, así como fotografías hechas a partir de fragmentos de esculturas romanas, configuradas horizontalmente, de modo que se asemejan a montañas, y editadas sobre papel, y unidas por una línea blanca que simboliza la línea de horizonte entre el cielo y el suelo, todo ello complementado por dibujos y música.
A través del espacio que forman las telas se puede caminar y las distintas fotografías impresas sobre ellas se transparentan entre sí.
Son cabezas romanas a las que les ha dibujado los ojos, para que estén vivas.
A la izquierda de esta Sala 2 están las obras de varios de los fotógrafos / as participantes en esta IV Exposición Fotográfica Colectiva White Balance 2024 :
un visible crisol de creatividad e imágenes de los más diversos estilos y temáticas, aderezado por una impecable y muy cuidada presentación, en sinergia con una eficaz amplitud de espacios para que el público pueda contemplar las obras con comodidad desde una distancia adecuada.
17:30 h de la tarde. Avanzamos varios metros y nos disponemos a cruzar la exótica puerta de acceso a la Sala 3 de exhibiciones fotográficas, en la que están expuestas muchas más imágenes de los fotógrafos participantes en la IV Exposición Fotográfica Colectiva White Balance, visibles en las distintas zonas,
con profusión de luces LED de distintos tamaños y potencias,
sabiamente ubicadas y con una orientación optimizada de haces lumínicos que potencian notablemente la visualización de las fotografías,
iluminando de modo uniforme todas las imágenes expuestas, presentadas con información detallada relativa a ellas ( nombre del autor, título de la obra, técnica utilizada, tipo de papel en el que se ha impreso, edición, tipo de marco o moldura en el que se presenta, tamaño de la copia y precio ),
con el beneficio añadido de una relajante música ambiente que cataliza una agradable experiencia visual y por momentos háptica.
17:45 h de la tarde. Cruzamos de nuevo, esta vez en sentido inverso, la puerta de acceso a la Sala 3 ( junto a la que hay una gran pantalla OLED 4K en la que pueden leerse los nombres de los fotógrafos y fotógrafas participantes en la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance y que muestra constantemente sus imágenes) y regresamos a la gran sala de entrada del Est_Art Space de Alcobendas con las Salas 1 y 2.
Falta ya sólo una hora y cuarto para que de comienzo el evento a las 19:00 h de la tarde y comienzan a llegar los primeros invitados.
Aquí vemos a Antonio Cabello (una de las personalidades más importantes en la historia de la fotografía española y que fue director durante 40 años de la revista Arte Fotográfico), acompañado por Manuel Durán Blázquez ( Presidente en Funciones de la Agrupación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes, Profesor de Fotografía, Edición y Documentación en la Universidad Complutense de Madrid, experto en historia de la fotografía y autor con Juan Miguel Sánchez Vigil de los icónicos libros " España en Blanco y Negro ", editorial Espasa Calpe , 1991, y " Madrid en Blanco y Negro " , Editorial Espasa Calpe, 1999, además de ser un gran experto en el diseño de libros con imágenes, ámbito en el que ha escrito diferentes artículos, como su disertación " Fotolibros o Libros Ilustrados " en el número 864 de la Revista Ínsula de Letras y Ciencias Humanas del año 2018) y Manuel Expósito (vocal de la Junta Directiva de la Agrupación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes),
que son recibidos por Maite Sánchez Ureña (codirectora del Est_Art Space Alcobendas).
Manuel Durán Blázquez lleva con él la cámara telemétrica Leica M4 formato 24 x 36 mm número de serie 1189576 fabricada en 1969 que compró durante los años ochenta a su amigo Martín Santos Yubero (uno de los más importantes fotógrafos de prensa españoles de todos los tiempos), acoplada con adaptador a un objetivo Leitz Summitar 5 cm f/2 de 7 elementos en 4 grupos, diseñado por Max Berek.
Maite Sánchez Ureña conversando con Antonio Cabello, antiguo director de " Arte Fotográfico ", decana de las revistas fotográficas en España, que inició su andadura en 1952 bajo la dirección de Ignacio Barceló, tras cuyo fallecimiento fue nombrado director Antonio Cabello, con quien esta icónica publicación fotográfica vivió su etapa más gloriosa y que en la portada de su número 637 publicó una de las imágenes del porfolio " Mind_Mind_Mind " de Masaur.
Maite Sánchez Ureña, gran motor impulsor del Art-Space Alcobendas junto con su esposo Javier Montorcier, codirector.
Conocida artísticamente como Masaur, es una reconocida fotógrafa y grabadora, tanto a nivel nacional como internacional, con obras de gran mérito, que fue mentora de Raquel Lew en el ámbito del grabado y que ha explorado e incorporado nuevas técnicas y posibilidades al lenguaje artístico del grabado (en el que comenzó su andadura en 2001), además de narrar historias (siempre le fascinó contar cosas a través de las herramientas que ha ido aprendiendo con el tiempo) mediante la ósmosis entre los muy abundantes matices expresivos y conceptuales de la fotografía, el positivado de imágenes en papel de alta calidad y el grabado, en un esfuerzo infatigable por descubrir nuevos potenciales expresivos y de creatividad.
Sus obras han sido seleccionadas y han estado presentes en la Sala L´Space 181 de París, la Setup Fair de Bolonia (Italia), la Biblioteca Nacional de Madrid, el Albeda College de Rotterdam, el Museo de Guanlan (China), la Feria Internacional de Arte Estampa, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, The Other Fairs Turín (Italia), el Museo de Grabado Español Contemporáneo, la Bienal de Querétaro (México), el International Miniprints Exhibition en Wingfield Barns ( Reino Unido), la Galería " L´Etangd´Art ", Bages (Francia), la Feria Internacional Journeés du Talent en Epinay sur Seine (Francia) y muchas otras, habiendo cimentado sus profundos conocimientos y experiencia a través de cursos y talleres impartidos por fotógrafos y grabadores de la talla de Daniel Gil Martín, Keith Howard, Miguel Redondo, Juan Lara, Luis Cabrera, Roberto Delgado, Graciela Buratti, Fernando Herráez, José Mª Mellado, Pepe Frisuelos, Tony Catany, Juan Pablo Villalpando Gabriella Locci, Mario Gutierrez Cru, Isabel María, Miriam Cantera, etc.
Es además directora de ADOS ( Asociación de Obra Seriada).
18:10 h de la tarde. Antonio Cabello está contento.
Han transcurrido casi 40 años desde que en 1985 se hizo cargo de la dirección de la revista " Arte Fotográfico ", hasta convertirla junto con FV en la publicación fotográfica especializada escrita en castellano más importante del mundo, y está constatando hoy que el interés por la fotografía experimenta un auge cada vez mayor.
En 1986, tan sólo once años después de aparecer la primera cámara fotográfica digital de la historia, creada por el ingeniero electrónico de Kodak Steve Sasson en 1975, Antonio Cabello, un visionario español sempiterno enamorado del haluro de plata y fuertemente impregnado de duende cordobés, fue pionero en el mercado fotográfico de habla hispana en la investigación de la fotografía digital y su aplicación a las revistas fotográficas especializadas de alta calidad.
Auténtica enciclopedia viviente de fotografía y una de las personas con mayor conocimiento y experiencia en el ámbito editorial a nivel mundial, Antonio Cabello es también un experto de auténtica talla internacional en las técnicas de impresión nobles.
Es un hombre que surgió del mundo del arte desde su más tierna infancia durante la primera mitad de los años cincuenta, cuando descubrió los pinceles, hasta que posteriormente, durante los años sesenta, captando imágenes en el zoológico de Córdoba, se enamoró del misterio y la magia de la fotografía, de su técnica, del laboratorio de blanco y negro que siempre le apasionó, etc, un idilio que ha permanecido incólume hasta el momento presente.
Fue además uno de los grandes artífices de la eclosión de la fotografía española durante los años ochenta, así como de la implementación de las nuevas tecnologías de la imagen como vehículo para expresar ideas.
Faltan sólo 50 minutos para el comienzo del evento y la expresión facial de Antonio Cabello indica alborozo, ya que su contrastada experiencia en todo tipo de acontecimientos fotográficos le hace adivinar que hoy va a ser un día especial.
Y no se equivoca, porque este evento cocktail y visita guiada con los fotógrafos participantes en esta IV Exposición Fotográfica Colectiva White Balance va a convertirse en minutos en uno de los acontecimientos fotográficos y artísticos más importantes celebrados este año 2024 en España.
19:10 h de la tarde. Los fotógrafos/as e invitados al evento están ya en el gran salón de entrada Sala 1 del Est_Art Space de Alcobendas (parte del cual se aprecia en esta imagen) degustando el coktail previo a la visita guiada y charlando en animada conversación,
como parte integrante de un lugar de encuentro en el que artistas y fotógrafos puedan reunirse, hablar entre ellos, intercambiar ideas y proyectos y plantearse retos, además de comprobar como funcionan las obras en un espacio.
Varios de los fotógrafos/as participantes en la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance son visibles en imagen, de izquierda a derecha : Victoria Tofer, Óscar Rivilla, Paco Díaz y Juan Gil Segovia, además de algunos invitados ilustres como José Luis Pajares ( profesor de fotografía, en el centro de la imagen, de perfil), el pintor abstracto afincado en Ibiza Pedro María Asensio ( de espaldas, a la derecha de la imagen), el escultor Daniel Domingo Schweitzer (detrás de la mujer con camisa azul), Tamara Jacquin (artista chilena especializada en transferir fotografía impresa en láser a nuevos soportes, aplicando acetona y presión) y Raquel Rico Calleja ( Licenciada en Historia y Patrimonio con especialidad en Mercado de Arte y Gestión de Empresas Relacionadas por la Universidad Antonio de Nebrija, Adjunta de Dirección de Est_Art Space, experta en mercado fotográfico y de arte, así como gestora de proyectos culturales, convencida exégeta de la necesidad de crear sinergias entre distintas disciplinas en el mundo del arte y las galerías, es además una reconocida curator, que ha comisariado hasta la fecha 14 exposiciones, todo ello tras conocer a Elena, su profesora de arte en bachillerato, que fue para ella lo que la Estación de Tren de Perpignan a Salvador Dalí y un trascendental punto de inflexión en su vida).
Reina en la sala un clima distendido y relajado. Todos los asistentes tienen cosas interesantes y experiencias que contar dentro de un muy cuidado marco fotográfico y artístico, repleto de personalidad, y que es asimismo un sancta sanctorum de aprendizaje,
que aglutina a personas de las más diversas procedencias, sectores profesionales, creencias, etc.
Muchos de estos fotógrafos/as e invitados al evento se conocen desde hace años y comparten su pasión por la fotografía y el arte en sus distintas manifestaciones, por lo que dialogan apaciblemente, inmersos en una atmósfera agradable generada por la amplitud de espacios y la sabia distribución de luces.
De izquierda a derecha puede apreciarse a los fotógrafos Giordano Raigada, Ruth Peche, Victoria Tofer, José Luis Pajares (Profesor de Fotografía) y Paco Díaz junto con varios invitados al evento.
Aquí vemos a Paco Díaz ( autor del proyecto fotográfico " Bajaré Hasta Llegar Arriba ", que forma parte del recorrido Off de PhotoESPAÑA, así como de la fabulosa instalación con fotografías de retratos en mármol de la Roma antigua impresas sobre tela, situada nada más entrar a la primera sala de exhibición fotográfica del Est_Art Space Alcobendas) hablando con dos de los invitados.
Y aquí aparece el fotógrafo Óscar Rivilla con otros dos invitados.
Son las 20:00 h de la tarde y es el momento en que todos los asistentes al evento entran en la Sala 2 en la que se halla la primera serie de imágenes de la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance, cuyos autores van a ofrecer a los invitados una visita guiada de las mismas, tanto en esta Sala 2 como en la Sala 3 del Est_Art Space Alcobendas.
Nada más entrar, a la izquierda, destaca la impresionante instalación realizada por Paco Díaz con fotografías de retratos en mármol de la antigua Roma impresos sobre tela, que miran a los asistentes desde cualquier posición en la que se observen.
La calidad fotográfica del positivado sobre tela es simplemente espectacular, en simbiosis con una adecuada música ambiente y la certera iluminación que incide sobre el semblante de cada personaje.
DISCURSO DE BIENVENIDA DE MAITE SÁNCHEZ UREÑA A LOS FOTÓGRAFOS E INVITADOS
A las 20:05 h de la tarde, Maite Sánchez Ureña inicia su discurso de bienvenida a fotógrafos e invitados,
explicando la gran importancia que Est_Art Space Alcobendas ha dado siempre a la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance,
de la que este año se cumple su cuarta edición.
Cuatro años en los que se ha realizado un ímprobo esfuerzo para poner en valor y dar visibilidad a las imágenes de todos los fotógrafos/as participantes.
Una dinámica que este año 2024 se ha visto potenciada por el hecho de que PhotoEspaña
ha acogido a Est_Art Space Alcobendas con el trabajo de Paco García “ Bajaré Hasta Llegar Arriba ",
que impresiona a todos los visitantes.
Maite Sánchez Ureña incide en que la presencia simultánea en este evento de fotógrafos de la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance y de invitados es parte de la vocación constante de convertirse en punto de encuentro de fotógrafos y apasionados del arte en sus distintas vertientes que siempre ha caracterizado a Est_Art Space Alcobendas desde su fundación en 2017, con un compromiso in crescendo por acercar arte y cultura al público, a través de una programación de eventos y actividades gratuitas.
Subraya asimismo que Est_Art Space Alcobendas no es sólo una galería fotográfica, sino que hay además talleres fotográficos y plató de fotografía, así como talleres de grabado y también de otras disciplinas artísticas.
VISITA GUIADA CON LOS FOTÓGRAFOS PARTICIPANTES EN LA EXPOSICIÓN COLECTIVA WHITE BALANCE 2024
Tras la alocución de Maite Ureña, se inicia la visita guiada en la que los fotógrafos participantes en la Exposición Colectiva White Balance 2024 informarán sobre sus obras a los invitados.
El primero de los fotógrafos en intervenir es Paco Díaz, que ilustra a los presentes sobre los aspectos más interesantes de su proyecto fotográfico " Bajaré Hasta Llegar Arriba " , que forma parte del recorrido Off de PhotoEspaña 2024, una instalación fotográfica realizada con fotografías de bustos y esculturas romanas de mármol, impresas en distintos tamaños y soportes, especialmente sobre tela, con las que el autor reflexiona sobre la liminalidad ( umbral entre una cosa que se ha ido y lo que está por llegar), el tiempo, el espacio, la permanencia y la transitoriedad.
Fotografías mayormente de retratos clásicos verticales en mármol y también de figuras completas realizadas asimismo con dicho material, captadas horizontalmente y que plasman togas romanas que se asemejan a montañas y generan un paisaje habitado por fantasmas, a medio camino entre los vivos y los muertos.
Instante en el que Paco Díaz entra en profunda introspección mientras habla a todos los presentes. Su expresión facial revela gran intensidad emocional mientras explica el sentido de estas fotografías de bustos romanos muy antiguos, impresas con gran calidad sobre 12 telas translúcidas que cuelgan con una configuración de laberinto, quizá como una puerta que invita a entrar en otro mundo, y que añaden una singular pincelada de exotismo y misterio a la sala.
Es ahora el turno de Victoria Tofer, que ilustra a todos los asistentes con los aspectos más relevantes de su obra " Bajo la Cúpula ", una travesía por el mundo de las emociones y los diferentes estratos del subconsciente, con imágenes que se adentran en los rincones más profundos de la mente.
La fotógrafa desvela el modo en que su proyecto fotográfico nació como una necesidad vital de expresión y válvula de escape ante un tropel de sentimientos muy intensos, intentando aglutinar todo,
con imágenes que muestran belleza y dolor, catalizando una inmersión en el aislamiento solitario del ser humano y el fulgor de ser encontrado.
Fotografías que se erigen además en recordatorio de que no estás solo y que también hay belleza en los momentos más duros de la existencia humana, trascendentales para poder conocer la verdadera esencia de cada uno, invitando a la reflexión y a mirar hacia dentro de uno mismo.
Hay que destacar también el inefable coraje de esta mujer, tanto desde un punto de vista fotográfico como humano, ya que su método creativo es experimental, se deja llevar por como se siente en cada momento, se pone delante de la cámara sin saber nunca de antemano cual va a ser el resultado final, y crea imágenes que evocan algunas situaciones extremas que vivió y muestra con gran sinceridad, en una dinámica intuitiva y libre.
Quizá sea ese el motivo por el que siempre ha tenido el don de poder conectar y empatizar con la gente a través de sus fotografías, en las que con frecuencia se ven reflejadas, lo cual ha sido siempre un estímulo para proseguir con su labor creativa.
A continuación, es la fotógrafa Esther Garrison la que habla sobre las imágenes de su proyecto fotográfico " ¿ Dónde ? En Karagandá " , que abarca varias ciudades de Kazajistán (país de Asia Central, que perteneció a la antigua URSS) : Karagandá (capital de la provincia del mismo nombre y arquetipo de antigua ciudad industrial), las minas de carbón de ShubarkolKomir y Temirtau, una de las urbes más contaminadas del mundo, y que son parte de un proyecto a largo plazo sobre comunidades, ecosistemas y paisajes afectados por la industria del carbón.
Las fotografías captadas por Esther Garrison en Kazajistán tienen por denominador común un mensaje de desasosiego que invita a la reflexión, ante la más que notable degradación medioambiental que la polución ha creado en estas ciudades y que afecta a sus habitantes en su vida cotidiana,
si bien la fotógrafa plantea también la duda de si se trata únicamente de paisajes industriales repletos de deterioro del medio ambiente o están también impregnados de turbadora belleza, algo visible en las imágenes, que destilan suntuosidad y unos espectaculares colores y texturas, idóneos para este tipo de reportajes, en simbiosis con la plasmación de la dureza y tristeza de la condición humana.
Uyger, Temirtau (Kazajistán). Tamaño : 155 x 102 cm sin marco. Impresión sobre Pic Glaze PVC. Fotografía hecha en 2017, que fue finalista del concurso de la Fundación Enaire para PhotoEspaña 2024 y revela la habilidad de la autora para transmitir mensajes poderosos, entre ellos el impacto medioambiental y social de diferentes industrias en lugares distintos del mundo.
En las imágenes de Esther Garrison se percibe claramente una estética muy bella y cuidada, basada en la sinergia entre su condición de fotógrafa instintiva (con gran talento para estar en el lugar adecuado en el momento idóneo, captando atmósferas muy especiales, texturas singulares y definitorias calidades y direcciones de luz) y su pericia utilizando su cámara Fuji XT-2 formato APS-C con excelentes objetivos Fujinon 23 mm f/2 (equivalente a un 35 mm f/2 en formato 24 x 36 mm) y Fujinon 56 mm f/1.2 (equivalente a un 84 mm f/1.2 en formato 35 mm) y Fujinon 90 mm f/2 (equivalente a un 135 mm f/2) que generan en sus fotografías un aspecto fílmico basado en la muy especial arquitectura del sensor X-Trans formato APS-C de Fuji (exento de aliasing, con un gran rango dinámico en las sombras), con un patrón de filtro de color único (que a diferencia de los sensores convencionales, que utilizan una matriz de filtros de Bayer rojo, verde y azul, utiliza una disposición aleatoria de píxeles rojos, verdes y azules), además de un tratamiento del ruido digital que es la referencia del mercado fotográfico en cuanto a similitud con películas químicas de referencia.
" Steel Works 2, Temirtau " . Impresión sobre PicGlaze PVC. Tamaño : 70 x 50 cm sin marco.
" Steelworks 1, Temirtau ". Impresión sobre PicGlaze PVC. Tamaño : 110 x 60 cm sin marco.
" White Fences, Steel works, Temirtau ". Impresión sobre PicGlaze PVC. Tamaño : 70 x 50 cm sin marco.
A continuación, los asistentes al evento se dirigen hacia la puerta de acceso a la Sala 3, a cuya izquierda están las fotografías de
Francesco Pintón, que explica a los presentes las imágenes de su serie de retratos en blanco y negro " Aberrations Portrait ",
en los que se esfuerza al máximo por captar la psicología profunda de las personas a las que fotografía,
" Aberrations Portrait IV ". Fotografía digital. Antalis 190 g, en caja de madera. Tamaño : 53 x 40 cm.
El autor utiliza con gran talento la abstracción del blanco y negro, que hace posible centrar la atención en los detalles expresivos del rostro de cada hombre y mujer plasmados con su cámara,
generando una atmósfera de introspección y misterio, con la misión de mostrar una visión sincera y sin adornos de la realidad.
Con estas imágenes, Francesco Pintón muestra un gran conocimiento de la naturaleza humana y un notable talento para hacer estos retratos en blanco y negro caracterizados por su gran impacto y realismo, en simbiosis con una contrastada habilidad e intuición para captar el alma de sus sujetos, aunque a la vez, todos estos retratos dejan interrogantes sin resolver.
La presencia de Francesco Pintón entre los fotógrafos de la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance fue todo un lujo, ya que es hoy por hoy un referente internacional en fotografía de arquitectura y social, especializado en crear imágenes que transmiten fielmente los valores y esencia de las entidades, estudios de arquitectura, corporaciones, empresas y profesionales de todo tipo para los que trabaja, siéndoles de gran ayuda para optimizar su posicionamiento en el mercado y conseguir más y mejores clientes, ámbito en el que es un experto de talla mundial.
Ha fotografiado una amplia gama de espacios, entre los que destacan las Oficinas MU MA del arquitecto Luis Vidal en Madrid, Aribau Arquitectos, el Edificio CentroCentro Palacio de Comunicaciones (shooting fotográfico para el Ayuntamiento de Madrid), el Hotel Barceló Torre de Madrid, el Hotel Gran Meliá Palacio Los Duques, el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez, el Restaurante KMO Sede Inditex, el MediaLab Prado (Shooting Fotográfico para el Ayuntamiento de Madrid), el Teatro Español, el Hotel Only You Atocha, el Hotel Pestana CR7 Gran Vía 29, el Hotel Aloft Madrid, el Hotel Bastardo 1 de Madrid, el Edificio Aulario de la Universidad Alioune Diop en Bambey (Senegal) para la Oficina de Arquitectura IDOM, etc.
Su formación como fotógrafo y artista es impresionante, habiendo estudiado Bellas Artes en el Liceo Artístico de Padua (Italia) y en la Academia de Bellas Artes de Venecia, donde estudió escultura y pintura, tras lo cual hizo un Master de Especialización en Fotografía, Imagen de Moda y Publicidad.
Durante la segunda mitad de los años ochenta y década de los noventa, Francesco Pintón fue un gran fotógrafo de moda, que trabajó para L´Oreal Professional y Wella, así como para las revistas Elle, Cosmopolitan, Down Town y otras, una época en la que hacía fotos con cámaras Hasselblad de formato medio 6 x 6 cm y Pentax 6 x 7 cm, usando películas químicas y haciendo reportajes tanto en estudio como en exteriores.
En aquellos tiempos había que ser muy preciso en todo, porque cualquier error en las fases de creación de imagen significaba tener que empezar de nuevo, por lo que Francesco Pintón desarrolló un enorme perfeccionismo, que compartió con otros grandes fotógrafos de moda que también usaron durante esos años cámaras analógicas de formato medio Hasselblad ( Gilles Bensimon, Herb Ritts, Victor Skrebneski, Patrick Demarchelier, Clive Arrowsmith, etc) y Pentax 6 x 7 ( Terence Donovan, Steven Meisel, Peter Lindbergh, Bruce Weber, Mario Testino, Tim Walker, Albert Watson, Tony Durán, Sante d´Horacio, etc).
A continuación, es la fotógrafa Ruth Peche, quien comienza a hablar a los asistentes sobre su proyecto fotográfico " Deep Entropy " ,
con imágenes de organismos acuáticos vivientes, especialmente anémonas y corales (frente a la costa de Menorca), con gran diversidad de formas y colores, cuya vivacidad y textura apelan a su sensibilidad.
Son fotografías sepia polarizadas de gran belleza y nivel fotográfico-artístico, repletas de matices y sutilezas, que muestran el esplendor de la naturaleza en las aguas del Mar Mediterráneo y con las que la autora consigue crear ilusión de profundidad y sensación real de agua que casi puede tocarse, de tal manera que estas criaturas marinas aparecen ante el observador plenas de vida, como si estuvieran respirando y mirándonos, tal y como ella las encuentra en el fondo del mar.
Hay además muchas horas de trabajo en estas obras, ya que la captación de cada fotografía es sólo la fase inicial, tras la cual la autora realiza transformaciones a través de ordenador, experimentando con diferentes medios, usando fotografía híbrida, fotografía digital, diapositivas en cajas de luz, etc, las más veces para enfatizar las formas o bien crear misterio, hasta llegar a generar la imagen final que desea, porque da gran importancia a la edición y producción como parte del todo creativo.
Portada del pequeño libreto Deep Entropy , auténtico delicatessen visual, con prólogo de Edward Rubin y que incluye las mejores fotografías de criaturas marinas de impresionante belleza realizadas por Ruth Peche.
La calidad y gramaje del papel es excepcional, así como la reproducción de las fotografías de corales, anémonas, acetabularias, algas rosas, etc, que lucen con gran esplendor.
Página 2 del libreto Deep Entropy en la que aparece el prólogo en inglés de Edward Rubin, que hace una magistral descripción de la majestuosidad fotográfica y artística de las imágenes creadas por Ruth Peche, de lo cual da fe la preciosa fotografía de una anémona visible a la izquierda, impresa en material textil tamaño 60 x 60 cm y presentada en caja de luz con iluminación LED.
Páginas 5 y 6 del libreto Deep Entropy, con espectaculares imágenes de anémonas, corales, acetabularias y algas rosas creadas por Ruth Peche. La diversidad de formas, colores y texturas de estas imágenes, así como su exotismo y muy especial estética no son fáciles de explicar con palabras.
Ruth Peche es Licenciada en Bellas Artes (Especialidad Artes Plásticas) por la Universidad Complutense de Madrid, Licenciada en Ciencias de la Información (Especialidad Publicidad y Relaciones Públicas) por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Diseño Gráfico en la Parsons School of Design de Nueva York.
Hace ya rato que el público invitado asistente está feliz contemplando obras fotográficas de muy variada índole y temática, pero todas de gran calidad y a cual más interesante.
Llega ahora el turno de Giordano Raigada y su trabajo fotográfico " Pantagruel " , cuyo objetivo es crear un vínculo con el espectador, mezclando imágenes fotográficas y autorretratos digitales, dotando al personaje con un sombrero y un abrigo, generando ciertas dosis de despersonalización.
Son imágenes que significan en gran medida una reflexión sobre sí mismo y catalizan filosofar sobre el mundo, en el marco de una catarsis de sus conflictos internos, además de poseer carácter satírico e irónico.
Una y otra vez, las imágenes creadas por los fotógrafos de esta IV Exposición Fotográfica Colectiva White Balance consiguieron entusiasmar y conmover a los asistentes a este evento, tal y como refleja la reacción de una de las invitadas, visible a la izquierda del todo de la imagen, al contemplar las obras de Giordano Raigada,
que rezuman originalidad, dominio de la técnica y predilección por el bello formato cuadrado para transmitir sus mensajes.
" Proyecto Pantagruel IV ". Realizada mediante impresión con tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle 300 g. Paspartú, metacrilato y marco mansonia. Tamaño 52 x 52 cm.
Giordano Raigada es un fotógrafo con sólida formación en el mundo analógico como profesional de fotomecánica y fotocomposición y que hizo posteriormente en el año 2.000, la transición a la fotografía digital.
Su trabajo " Aequat Omnes Cinit " (2009) ha sido reconocido con varios premios y galardones en distintos años y certámenes.
Por otra parte, su extraordinario reportaje en blanco y negro " La Fábrica ", realizado en 2015 en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau (Polonia) y que fue Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras, es uno de los mejores realizados hasta la fecha y plasma magistralmente la atmósfera muy especial y sensaciones indescriptibles que se perciben al estar en ese lugar.
Y en 2021 fue seleccionado para el Certificate of Excellence de la Agora Gallery de Nueva York, en cuya exposición colectiva participó.
Giordano Raigada destaca por su gran creatividad, versatilidad e imaginación a raudales y es una figura claramente emergente en el ámbito fotográfico, siendo capaz de hacer muy buenas fotos de temáticas diferentes.
A continuación, toma la palabra José Manuel Magano, miembro del Colectivo Fotográfico Slow Photo y reconocido experto en fotografía analógica, especialmente en la antigua técnica de la calitipia, que data del siglo XIX.
Rodeado de invitados, empieza a disertar sobre su proyecto fotográfico " Mucho por Ver " , basado en fotografiar sus recuerdos y generar sensaciones.
" S / T 4 ", fotografía con goma bicromatada sobre calitipia en papel ARCHES Platine 300 g. Tamaño 52 x 41 cm.
Son fotografías en blanco y negro muy espectaculares e intimistas, con esa bellísima y única estética de imagen que consiguen las cámaras de gran formato en sinergia con la calitipia.
José Manuel Magano es un apasionado de la fotografía artística, y crea imágenes que hablan de él, de su historia y de su memoria, con un objetivo principal : contar lo que siente alguien que ha estado haciendo fotografía desde hace más de cuatro décadas, y de pronto, desde 2019, pierde casi la totalidad de su visión, lo cual no impide que siga dedicándose a ello.
Tiene sus imágenes en la memoria y trata de enseñarlas al público, para transmitirles lo que ve y siente cuando sale a fotografiar.
Cuando sale a hacer fotografías de paisaje o de playas, siempre va acompañado por su esposa, caminando a través de rutas de senderismo que ya han hecho anteriormente, por lo que recuerda dichos escenarios,
" S/ T 1 ". Fotografía con goma bicromatada sobre calitipia en papel ARCHES Platine 300 g. Tamaño : 52 x 41 cm.
y lo único que necesita es que su mujer le oriente y le diga lo que se ve, y si le hace sentir algo, monta su cámara de gran formato sobre trípode, hace la foto, luego en casa revela la película, y con ayuda de su amigo Oliver García, elige las imágenes, las trabaja químicamente en el laboratorio y las positiva sobre papel fotográfico.
Lo que intenta es reflejar sus sentimientos, pero no es su deseo que las personas que ven sus fotos sientan lo mismo que él, trata de que sientan algo distinto que les haga generar en ellos una sensación propia, y si lo consigue, es feliz, porque ha hecho la fotografía que quería hacer, que es lo que más le llena como fotógrafo.
" S/ T 2 ". Fotografía con goma bicromatada sobre calitipia en papel ARCHES Platine 300 g. Tamaño : 52 x 41 cm.
Por eso no las titula, porque posee la convicción de que cada fotografía la tiene que titular quien la ve, y así habrá muchos títulos distintos para cada imagen, según la sensación que perciba cada observador.
Son pues imágenes que emanan de un autor que tuvo que reinventarse y crear una nueva visión fotográfica con sitios que ya conocía, que están en su memoria y que genera desde su interior, positivando después el resultado sobre papel fotográfico de alta calidad.
Todo ello como colofón a su estilo de fotografiar, cimentado esencialmente en una visión con el corazón, que produce espléndidos resultados, con una filosofía de creación de imágenes que preconiza que en la fotografía no todo es nitidez, que puede haber también buenas fotografías fuera de foco y que esa es la realidad de otras personas.
" S/ T 3 ". Fotografía con goma bicromatada sobre calitipia en papel ARCHES Platine 300 g. Tamaño : 52 x 41 cm.
Sus fotos no son la realidad que había cuando las creó, sino que surgen de transformaciones que realiza después de hacerlas, para generar otra realidad, su realidad.
Ha de destacarse también el hecho de que José Manuel Magano es desde hace décadas un gran dominador de la técnica fotográfica, que ha trabajado con cámaras analógicas de formato medio y gran formato como la Voigtländer Bessa 6 x 9 cm, la cámara de estudio Anaca de gran formato 13 x 18 cm ( diseñada y fabricada en hierro de modo artesanal por el español Ángel Navarro Cande, acoplada a un objetivo Voigtländer Heliar y que fue presentada en la feria Photokina Köln de 1958), la Hasselblad 500 C/M con objetivo Carl Zeiss Oberkochen 80 mm f/2.8, la Graflex Speed Graphic de gran formato 4 x 5 (10 x 12 cm) con telémetro Kalart, etc, y sólo necesita que le acompañen al sitio al que va a hacer la foto, pregunta qué tipo de día hay, qué luz hay, qué se ve, pone su cámara sobre el trípode y hace la foto.
Tiene además una concepción háptica de la fotografía en soporte de papel fotográfico.
Porque la relación de José Manuel Magano con la fotografía siempre fue ante todo y para todo un sempiterno idilio que se inició en su más temprana adolescencia, cuando realizó la transición de la pintura (que había practicado desde muy niño) a la captación de imágenes.
Asimismo, como miembro del colectivo fotográfico SLOW PHOTO, José Manuel Magano explicó a los asistentes los aspectos más destacados de la obra fotográfica de José Manuel Poyatos, Jesús Limárquez, Rubén Morales y Oliver García compañeros suyos de SLOW PHOTO también participantes en la Exposición Colectiva White Balance 2024) en el marco del Proyecto Fotográfico " Hágase la Luz " de dicha asociación, de la que él también forma parte :
Las nueve imágenes seleccionadas de faros costeros realizadas por José Manuel Poyatos con calitipia de su proyecto fotográfico " Vigilantes " (integrado por 40 imágenes de dicha temática) sobre papel ARCHES Platine 300 g que fueron parte de la exposición.
Son fotografías de una gran belleza, un blanco y negro clásico de excelente nivel, realizadas con encuadre vertical que realza la altura y permanencia en el tiempo de estos edificios muy antiguos y de gran tamaño.
El autor demuestra su dominio y experiencia con las cámaras de gran formato y la técnica de la calitipia, a través de la cual crea unas atmósferas románticas, confiriendo personalidad a estos elementos arquitectónicos situados en lugares recónditos, donde acaba la tierra y empieza el mar infinito y plano, observando una conexión entre la vida y la muerte, lo divino y lo terrenal, la luz y la penumbra, además de plasmar a veces la llegada de grupos de turistas que acuden con frecuencia a fotografiar la última luz del sol y la primera de cada faro.
" Vigilantes 1 ". Fotografía de José Manuel Poyatos con calitipia sobre papel ARCHES Platine 300 g. Enmarcada con cristal y paspartú. Tamaño : 25 x 35 cm.
" Vigilantes 8 ". Fotografía de José Manuel Poyatos con calitipia sobre papel ARCHES Platine 300 g. Enmarcada con cristal y paspartú. Tamaño : 25 x 35 cm.
" Vigilantes 9 ". Fotografía de José Manuel Poyatos con calitipia sobre papel ARCHES Platine 300 g. Tamaño : 25 x 35 cm. Enmarcada con cristal y paspartú.
" Ábalos I ". Fotografía Digital de Jesús Limárquez. Emulsión ferro-plata sobre granito berroqueño. Tamaño : 41 x 30 x 23 cm.
Una obra impresionante, con plena integración fotografía / naturaleza y admirable calidad de positivado sobre roca.
" Nébula XVI " . Fotografía de Jesús Limárquez. Tamaño 83 x 110 cm. La bella estética de imagen vintage de este calitipo sobre tela, que conseguía la inmersión total de cualquier observador en el paisaje e incluso la evocación sensorial del mismo, fue algo inolvidable.
" Ábalos II ". Fotografía Digital de Jesús Limárquez. Emulsión ferro-plata sobre granito berroqueño. Tamaño : 26 x 43 x 23 cm.
Otra muestra más de la capacidad del autor para fusionar arte y naturaleza de un modo verdaderamente encomiable.
" Nébula XIII ". Fotografía de Jesús Limárquez. Tamaño 110 x 80 cm.
La contemplación de esta fotografía impresa sobre tela y el detalle en las texturas plasmadas por su autor generó abundante entusiasmo entre los asistentes.
Las cuatro imágenes de Rubén Morales de su proyecto fotográfico " Southern Raid " que fueron parte de la exposición.
" El Toro ". Fotografía Digital realizada por Rubén Morales con impresión sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315 g. Tamaño : 70 x 40 cm.
" Crossroad ". Fotografía Digital realizada por Rubén Morales con impresión sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315 g. Tamaño : 70 x 40 cm.
" Rust in Peace ". Fotografía Digital realizada por Rubén Morales con impresión sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315 g. Tamaño : 70 x 40 cm.
" Man ". Fotografía Digital realizada por Rubén Morales con impresión sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta 315 g. Tamaño : 70 x 40 cm.
Rubén Morales es también un eminente experto en fotografía argéntea en formato medio cuadrado, que se dedica a la fotografía artística y trabaja de forma artesanal en el cuarto oscuro, entorno en el que es uno de los mejores técnicos de laboratorio de España.
Es conservador restaurador en Patrimonio Histórico Cultural por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, docente en las universidades Rey Juan Carlos y Universidad Europea de Madrid, donde imparte Estética en los Medios Audiovisuales, Análisis de la Imagen, Fotografía e Imagen Digital , así como artista colaborador en la Galería Blanca Berlín y el Museo Centro de Arte Reina Sofía.
Las siete fotos de Oliver García de su proyecto " Finis " presentes en la exposición.
Es una obra que ensalza la belleza imperfecta del cuerpo humano, que habitualmente se convierte en frontera oculta, al estar condicionado por la percepción ajena.
" Ifinis IV (Dípticos) ". Fotografía con Van Dyke sobre papel Gvaro de alta calidad de 300 g. 100% algodón. Montado en bastidor. Tamaño : 40 x 20 cm.
" Ifinis II (Dípticos) ". Fotografía con Van Dyke sobre papel Gvaro de alta calidad de 300 g. 100% algodón. Montado en bastidor. Tamaño : 40 x 20 cm.
" Ifinis I (Dípticos) ". Fotografía con Van Dyke sobre papel Gvaro de alta calidad de 300 g. 100% algodón. Montado en bastidor. Tamaño : 40 x 20 cm.
" Infinita ". Fotografía con Van Dyke sobre papel Gvaro de alta calidad de 300 g. 100% algodón. Montado en bastidor. Tamaño : 100 x 32 cm.
Oliver García es otro consumado especialista en técnicas fotográficas antiguas como el colodión húmedo, la cianotipia, el carbón transportado, etc.
Ha pasado ya más de una hora desde el comienzo de la visita guiada y los invitados siguen contemplando con delectación más y más imágenes de distintos autores.
Está siendo un día inolvidable, presidido por la creatividad y buen hacer de todos los fotógrafos/as participantes en la Exposición Colectiva White Balance 2024.
Corresponde ahora el turno de Juan Gil Segovia, que comienza a ilustrar a todos los presentes con las características más relevantes de su proyecto fotográfico " Lugares Comunes ",
constituido por combinaciones de imágenes, tanto analógicas como digitales, captadas durante años en diferentes lugares y que se traducen en polípticos fotográficos que son ejemplares únicos,
en los que cada obra incluye una secuencia de imágenes sin conexión entre sí y que plantean un discurso narrativo abierto a muchas interpretaciones.
Se trata de escenarios en los que predomina la desolación y el aislamiento : zonas industriales desiertas, bosques, casas ruinosas, explanadas vacías, etc.
" Lugares Comunes IX ". Fotografía química sobre papel. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
" Lugares Comunes XII ". Fotografía química sobre papel. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
" Lugares Comunes I ". Impresión digital sobre papel a partir de negativos en color. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
Juan Gil Segovia se halla feliz, inmerso en un ambiente plenamente fotográfico, pero también de camaradería con el resto de fotógrafos e invitados que escuchan su alocución, en medio de una atmósfera muy positiva.
" Lugares Comunes XI ". Fotografía química sobre papel. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
" Lugares Comunes X ". Impresión digital y fotografía química sobre papel. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
" Lugares Comunes VI ". Impresión digital y fotografía química sobre papel. Tamaño : 72 x 102 cm enmarcada.
Primer plano del autor, que acaba de finalizar la explicación de sus obras al público presente y muestra satisfacción en su expresión facial.
No obstante, ésto no ha terminado.
Hay entre el auditorio una persona que lleva varios minutos en tensión, deseando hablar y expresar lo que siente. Ha estado esperando en silencio a que Juan Gil Segovia pusiera fin a su alocución, levanta la mano y pide la palabra.
Está a punto de producirse uno de los momentos más emotivos de esta inolvidable jornada fotográfica, con una demostración de sincero altruismo.
Se trata de José Luis Pajares, uno de los profesores de fotografía de Juan Gil, que hace una apasionada alabanza del talento fotográfico de su pupilo y del extraordinario nivel de su tesis doctoral con la que obtuvo la calificación de cum laude.
No hay aquí lisonja alguna por parte de José Luis Pajares, sino un reconocimiento que sale del corazón hacia un alumno por el que siente admiración,
que expresa a través de palabras en las que pone toda su alma.
Son ya las 21:00 h de la noche y es ahora el turno de palabra de Manuel Durán Blázquez, Presidente en Funciones de la Asociación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes, que expone ocho series de fotografías premiadas como primera, segunda, premio local y cinco colecciones más de la XXXXIV edición del concurso El Lobo y El Madroño, seleccionadas por María Teresa Barranco, Eduardo Momeñe y Ángel López Soto.
Son imágenes realizadas por Daniel Aguilera, Librada Martínez Cano, José Ramón Luna de la Ossa, Puri Moreno Marín, Vicente Calzado Requena, Xavier Ferrer Chust, María Jesús Garzón Paredes y Diego Pedra Benza.
Las tres imágenes del proyecto fotográfico documental en desarrollo " Un Hogar en el Exilio " de Daniel Aguilera, que se sirve del retrato, aspectos domésticos y objetos personales para narrar una historia de mutua ayuda humana entre César, un jubilado dependiente cuyo hogar en Pinto (Madrid), se ha convertido en lugar de acogida de refugiados de diversas nacionalidades desde hace 7 años, y dichas personas procedentes de distintos países, plasmando con sus fotografías la génesis de convivencias solidarias y enriquecedoras entre seres humanos, además de abordar el problema de la soledad
Manuel Durán Blázquez prosigue su disertación sobre las fotografías de los miembros de la Asociación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes que participan en esta IV Edición de la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance, mientras sus palabras son escuchadas con gran atención por los invitados, que no se cansan de ver más y más fotos.
He aquí las tres imágenes del proyecto fotográfico " Colores Primarios " de Librada Martínez Cano, cuya esencia se cimenta en el trazo de color amarillo, magenta y cyan que acompaña a cada una de las fotografías, plasmando de modo poético todo tipo de recuerdos, sentimientos y añoranzas que transmiten diferentes fotografías antiguas, manuscritos, fotografías personales, etc, que encuentra en cajones olvidados.
Todo ello con un fin ulterior : reivindicar la sensibilidad y las ilusiones inherentes a la mujer.
Manuel Durán Blázquez, hombre con más de 45 años de experiencia en el sector fotográfico, así como en el ámbito de los fotolibros (fue uno de los grandes artífices del gran éxito de la editorial Espasa Calpe entre los años ochenta y principios del siglo XXI, habiendo trabajado con todo tipo de ampliadoras fotográficas, incluso de gran formato), además de haber sido uno de los grandes impulsores diacrónicos de la Agrupación Fotográfica San Sebastián de los Reyes, está visiblemente emocionado e incide en el hecho de que es el segundo año consecutivo que esta asociación fotográfica es invitada a la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance.
Aquí aparecen las tres imágenes del proyecto fotográfico " Vida entre Ruinas " de José Ramón Luna de la Ossa, que muestra edificios abandonados que adquieren vida con elementos cotidianos de nuestros espacios vitales, en marcado contraste con la desolación que rodea a estos lugares.
De repente, muy brevemente, Manuel Durán Blázquez entra en profunda introspección, recordando con entusiasmo y gran emotividad los 41 años de historia de la Agrupación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes, una de las más señeras de España, jalonada por todo tipo de vicisitudes e hitos fotográficos, lo cual explica enseguida a todos los presentes, que saben perfectamente que este hombre es historia viva de la fotografía y el fotolibro en España, profesor de fotografía, edición y documentación en la Universidad Complutense de Madrid, experto en historia de la fotografía y autor con Juan Miguel Sánchez Vigil de los icónicos libros " España en Blanco y Negro ", editorial Espasa Calpe , 1991, y " Madrid en Blanco y Negro " , Editorial Espasa Calpe, 1999.
" Desvelo 2 II ", una de las fotografías del proyecto fotográfico " Desvelo 2 " de Puri Moreno Marín. Fotografía digital tamaño 50 x 60 cm sin enmarcar.
Este proyecto fotográfico es una obra muy personal, que induce a la reflexión sobre el miedo a que llegue la noche y el insomnio no deje dormir, catalizando frustración, ansiedad y angustia durante noches silenciosas y oscuras, a las que seguirán días sin energía.
Es un blanco y negro de naturaleza muy intimista, con predominio de zonas low key.
" Desvelo 2 I ". Fotografía digital. Tamaño 50 x 60 cm sin enmarcar.
Primer plano de Miguel Durán Blázquez tras finalizar su explicación de las fotografías de los ocho miembros de la Agrupación Fotográfica de San Sebastián de los Reyes. Su expresión facial revela felicidad, porque hoy está aquí para apoyar a fotógrafos con talento de esta asociación fotográfica, cuarenta y un años después de que en 1983 la fundara junto con otros compañeros como Juanjo Rodríguez (autor del excelente reportaje fotográfico " Tharus en Badhara" , una obra de referencia internacional sobre los Tharu, el grupo étnico indígena más antiguo y numeroso de la región de Terai en Nepal), Eduardo Sánchez Rodríguez (Profesor de Fotografía en la UP) y otros, además de incorporaciones más recientes, como el eminente Pepe Frisuelos, uno de los mejores positivadores de blanco y negro del mundo junto con Bruce Barnaum, Pablo Inirio, Teresa Engle Moreno, Igor Bakht, Voja Mitrovic, Giulietta Verdon-Roe, David Vestal, Nathalie Loparelli, Juan Manuel Castro Prieto, Valérie Hue y Dominique Granier.
Detalle de parte de las obras de miembros de la Agrupación Fotográfica San Sebastián de los Reyes expuestas en el interior del Art_Space de Alcobendas (Madrid).
Las tres imágenes del proyecto fotográfico " El Sonido del Miedo " de María Jesús Garzón Paredes.
La autora busca escenarios donde se reviven emociones pretéritas, con el espacio y la atmósfera como marco para transmitir dichas sensaciones, además de una muy sui géneris reducción al mínimo del color para enfatizar el carácter atemporal de esas emociones dentro del contexto.
Son imágenes en las que la autora intenta también hallar una vertiente terapéutica para sí misma, pero a la vez, dejando entrever que son lugares en los que cualquiera se puede mirar y transitar.
" El Sonido del Miedo I ". Fotografía digital. Tamaño 50 x 60 cm sin enmarcar.
" El Sonido del Miedo II ". Fotografía digital. Tamaño 50 x 60 cm sin enmarcar.
" El Sonido del Miedo III ". Fotografía digital. Tamaño 50 x 60 cm sin enmarcar.
Las tres imágenes del proyecto fotográfico " Natura-Machina " de Vicente Calzado Requena, que plasma diferentes paisajes de singular belleza creados de modo no intencionado por la labor del ser humano, escenarios que establecen sinergias y diálogos antagónicos con ese fascinante biotopo creado artificialmente.
" Natura-Machina III ". Impresión digital sobre papel baritado Hahnemühle. Tamaño : 60 x 50 cm sin enmarcar.
" Natura-Machina II ". Impresión digital sobre papel baritado Hahnemühle. Tamaño : 60 x 50 cm sin enmarcar.
" Natura-Machina I ". Impresión digital sobre papel baritado Hahnemühle. Tamaño : 60 x 50 cm sin enmarcar.
Las tres imágenes del proyecto fotográfico " Escarcha " de Diego Pedra Benza.
" Escarcha I ". Fotografía digital de Diego Pedra Benza. Tamaño : 31 x 22 cm sin enmarcar.
" Escarcha II ". Fotografía digital de Diego Pedra Benza. Tamaño : 31 x 22 cm sin enmarcar.
" Escarcha III ". Fotografía digital de Diego Pedra Benza. Tamaño : 31 x 22 cm sin enmarcar.
Las tres imágenes del proyecto fotográfico " Maramures " de Xavier Ferrer Chust, cuyo elemento básico son cruces que fotografía en medio de paisajes nevados y que son mudos testigos de la vida y la muerte, evocando la fragilidad y belleza de la existencia humana.
" Maramures III ". Impresión digital sobre papel de algodón. Tamaño : 24 x 36 cm sin enmarcar.
" Maramures II ". Impresión digital sobre papel de algodón. Tamaño : 24 x 36 cm sin enmarcar.
" Maramures I ". Impresión digital sobre papel de algodón. Tamaño : 24 x 36 cm sin enmarcar.
Fotógrafo con 42 años de experiencia, Xavier Ferrer Chust es hoy por hoy uno de los mejores reporteros documentalistas y sociales de España.
Inició su andadura como creador de imágenes en 1982, tras recibir enseñanzas durante años de su padre Fernando Ferrer, que le inclucó el amor por la fotografía y los principios básicos del laboratorio de blanco y negro y la imagen latente.
Es uno de los fotógrafos españoles junto con Manuel Castro Prieto y Julio López Saguar que ha ganado más premios de fotografía ( ha superado los 150 galardones nacionales), destacando tanto en fotografía de calle como en retrato al aire libre con cámaras de formato medio, habiendo realizado talleres con Miguel Oriola, Manolo Laguillo, Manel Úbeda, Koldo Chamorro, Antonio Tabernero y Juan Manuel Díaz Burgos.
Sus obras han protagonizado además hasta la fecha 50 exposiciones individuales por toda España y 12 exposiciones colectivas.
Y su proyecto fotográfico " Oremus " que tardó casi 14 años en realizar, entre 1988 y 2002, es uno de los más icónicos reportajes documentalistas y creativos con soporte en blanco y negro realizados hasta la fecha sobre el tema de la religión popular en España, ámbito en el que este muy experimentado autor plasma su mirada personal.
A continuación, llega el turno de Óscar Rivilla, que explica a los asistentes los aspectos más importantes de su proyecto fotográfico " Juegos Reunidos ",
Las cinco fotografías de Óscar Rivilla que formaron parte de la IV Exhibición Fotográfica Colectiva White Balance 2024.
que plantea la idea del juego como experiencia compartida con la artista de performance Patricia Landabasso y se refleja en una dinámica creativa donde ambos experimentan, buscan concordancias e intentan extender el modo de comprender sus respectivos medios artísticos.
El autor fotografía juegos o juguetes como entes que albergan recuerdos,
referentes de una época y puntos de encuentro que hacen posible superar las diferencias generacionales, geográficas o de posición socioeconómica.
Busca asimismo vínculos entre memoria y emoción, a través de la descontextualización, además de cuestionar el abandono en la madurez de nuestro ser interior más lúdico.
" Cordel ". Fotografía digital. Tamaño 68 x 74 cm. Enmarcada.
Óscar Rivilla explicando su obra " Cordel " a los asistentes, que prestan gran atención a sus palabras.
" Scalextric ". Fotografía digital. 74 x 68 cm. Enmarcada.
" Soldaditos ". Fotografía digital. Tamaño 74 x 68 cm. Enmarcada.
" Rayuela ". Fotografía digital. Tamaño 74 x 68 cm. Enmarcada.
Primer plano del autor tras finalizar su disertación.
Óscar Rivilla es desde hace años uno de los mejores fotógrafos de moda de España, que ha trabajado con revistas nacionales de primer nivel como Vogue, Elle y Woman y con publicaciones europeas de la talla de Elle Girl (Francia) o Glamour (Alemania), además de haber realizado campañas publicitarias para prestigiosas marcas internacionales.
Ha sido además Director de Fotografía de Ediciones Conde Nast, Jefe del Departamento de Fotografía de Hachette Philipacchi, fue nominado dos veces a los Premios ARI, y en 2001 recibió el Premio Lux Moda de Plata.
Así pues, es un reconocido fotógrafo que tiene dos vertientes, la comercial y la artística, en la que hay una fuerte influencia de la pintura, especialmente el expresionismo alemán, así como el collage fotográfico, gracias al retoque.
Es además un gran especialista en retrato, a través del cual intenta contar diferentes inquietudes, sentimientos, etc, tratando de plasmar la esencia de cada personaje.
Y su obra ha participado en distintas exhibiciones en España y el extranjero, incluyendo la muestra Art Independent en Reino Unido, donde tuvo un espacio con su obra individual.
Por otra parte, también participaron en esta IV Exhibición Fotográfica Colectiva White Balance 2024 los siguientes fotógrafos :
Lucía Gorostegui, con su proyecto fotográfico " Lugar, Umbral ", basado en siete imágenes captadas durante distintas visitas a obras arquitectónicas en fase de desarrollo,
explorando la relación entre la construcción arquitectónica, la construcción fotográfica y la construcción de la propia realidad,
" Lugar, Umbral I ". Fotografía digital. Pigmento mineral sobre papel algodón Hahnemühle Photo Rag, enmarcado en moldura de madera Masonia natural. Tamaño : 100 x 150 cm. Cristal Museo Opcional.
profundizando en el estudio de la materialidad de la fotografía y su condición objetual,
" Lugar, Umbral I I ". Fotografía digital. Pigmento mineral sobre papel algodón Hahnemühle Photo Rag, enmarcado en moldura de madera Masonia natural. Tamaño : 90 x 60 cm. Con Cristal Museo Antirreflejo.
indicando el umbral entre lo real y lo interpretado, que se expande para dejarse habitar.
" Lugar, Umbral III ". Fotografía digital. Pigmento mineral sobre papel algodón Hahnemühle Photo Rag, enmarcado en moldura de madera Masonia natural. Tamaño : 60 x 40 cm. Cristal Museo opcional.
" Lugar, Umbral IV ". Fotografía digital. Pigmento mineral sobre papel algodón Hahnemühle Photo Rag, enmarcado en hormigón. Tamaño : 21 x 21 cm.
" La Espera. Lugar, Umbral " . Fotografía digital. Impresión directa de tintas UVI sobre Pladur. Tamaño : 160 x 340 cm. Medidas variables.
Marian Calvorrey, con su proyecto fotográfico " Bolardajara, Río de Bolardos ",
64 postales de bolardos que inundan la ciudad de Guadalajara y hacen que surjan dudas sobre si son necesarios tantos, ya que con frecuencia perturban tanto el tráfico rodado como el tránsito de peatones.
Todas las fotografías van montadas en un postalero de metal, tamaño 198 x 52 x 52 cm.
Las imágenes fueron captadas en 2019.
Puri Díaz, con su proyecto fotográfico " Envolturas " , formado por imágenes en color que hablan de los recuerdos que afectan al ser humano,
Envolturas I, II y III, el trío de imágenes del proyecto fotográfico " Envolturas ".
con fotografías impregnadas de estética de imagen trepidada, que aporta notable dinamismo a la narración visual en la que la memoria de la autora y de sus familiares adquiere un especial protagonismo y se resiste al olvido, para evitar la pérdida definitiva de los seres añorados y queridos.
" Envolturas I ". Fotografía digital impresa sobre Papel Hanhenmühle Photo Rag Ultra Smooth 305 g. Enmarcado en caja americana. Perfil sin decorar en Ayous macizo. Tamaño 33 x 43 cm enmarcada.
" Envolturas I I ". Fotografía digital impresa sobre Papel Hanhenmühle Photo Rag Ultra Smooth 305 g. Enmarcado en caja americana. Perfil sin decorar en Ayous macizo. Tamaño 33 x 43 cm enmarcada.
" Envolturas I I I ". Fotografía digital impresa sobre Papel Hanhenmühle Photo Rag Ultra Smooth 305 g. Enmarcado en caja americana. Perfil sin decorar en Ayous macizo. Tamaño 33 x 43 cm enmarcada.
Josefina Trepte, con su proyecto fotográfico " El Hilo de Cobre ",
formado por seis imágenes en las que se incide mediante la representación de una llamada de pareja en como el uso de la tecnología ha cambiado el modo en que nos relacionamos.
Este uso de la tecnología como concepto en sus proyectos ha sido algo usado habitualmente por la autora desde que creó su personaje artístico Eva, ya que es algo muy potente en la era digital, y que ha modificado todo, desde el entorno de cada ser humano hasta cada persona en concreto, sin que con frecuencia seamos conscientes de ello.
Son además, de modo simultáneo, imágenes que plantean la pregunta de como pueden los artistas integrar la fotografía en sus obras de manera que representen el mundo presente, algo que preside su trabajo creativo, en simbiosis con su objetivo de ofrecer un lenguaje visual que invite a la reflexión a través de una representación artística coherente con el contexto de hoy en día.
" El Hilo de Cobre Vol I ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
" El Hilo de Cobre Vol II ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
" El Hilo de Cobre Vol III ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
" El Hilo de Cobre Vol IV ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
" El Hilo de Cobre Vol V ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
" El Hilo de Cobre Vol V ". Fotografía en blanco y negro sobre papel Ilford. Tamaño 40 x 50 cm enmarcada.
Rocío Bueno, con su proyecto fotográfico " Renascence ", cuyas imágenes se centran especialmente en la figura de Edna St. Vincent Millay, una de las mujeres más influyentes de la poesía del siglo XX :
Son fotografías que intentan redescubrir, visibilizar y traer al presente a un referente femenino olvidado, en lo que pretende ser un viaje de ida y vuelta, de simultánea realidad y ficción, en el que la poetisa se transforma en un espejo que permite ir más allá de la imagen reflejada, con el beneficio añadido de la colaboración de 8 fotógrafas que han realizado ocho autorretratos inspirados en poemas de Edna St. Vincent Millay.
Es un relato visual en el que se mezclan pasado y presente, realidad y ficción, en dos universos paralelos que van entrando en ósmosis a través de una amplia variedad de temas que subyacen, como la creación artística, la vida libre y bohemia, el amor sin género, el cuerpo, el dolor, la infancia, la relación con la madre, la independencia, el ser o no ser madre, el cuerpo, el dolor, la naturaleza y la muerte, etc.
" Encuentro " . Fotografía de archivo con flores secas. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235g. Marco de madera y cristal. Tamaño : 13 x 18 cm.
" Primer Fruto ". Fotografía de archivo intervenida con flores rojas secas. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235g. Marco caja de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm.
" Soneto XCIX ". Fotografía de archivo intervenida con pétalos preservados. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235g. Marco caja de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm.
" Edna y Eugen ". Fotografía de archivo intervenida con polvo de flores secas. Impresión Injet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235 g. Marco de madera y cristal. Tamaño 13 x 18 cm.
" Soneto XLII ". Fotografía de archivo intervenida con pétalos de rosa. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235g. Marco dorado de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm.
" Oh, Madre " . Fotografía de archivo intervenida con flor seca. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235 g. Marco caja de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm.
" Mujer Bruja ". Fotografía de archivo intervenida con flor seca. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235 g. Marco caja de madera y cristal.Tamaño 15 x 20 cm.
" Ayer y Hoy ". Fotografía de archivo sobre fotografía digital actual. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235 g. Marco caja de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm. Enmarcada.
" Al Menos Amor Mío ". Fotografía de archivo sobre fotografía digital actual. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Ilford Studio Matt 235g. Marco caja de madera y cristal. Tamaño 15 x 20 cm. Enmarcada.
" Autorretrato Inspirado en Poema Mujer Bruja ". Fotografía digital. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200 g. Soporte: marco de madera dorada con cristal. Tamaño 30 x 40 cm. Enmarcada.
" Ella ". Fotografía digital. Impresión Inkjet art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200 g. Sobre dibond 3mm. Tamaño 30 x 40 cm.
" Ellas " . Fotografía digital. Impresión Inkjet art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200g. Sobre dibond 3mm. Tamaño 30 x 40 cm.
" Marea Roja ". Fotografía de archivo con flores secas. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200 g. Sobre dibond 3mm. Tamaño 30 x 40 cm.
" Despertar ". Fotografía digital. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200 g. Sobre dibond 3mm. Tamaño 30 x 40 cm.
" Pasión ". Fotografía digital. Impresión Inkjet Art de alta calidad en tintas pigmentadas. Papel Hahnemühle Matt Fibre 200g. Sobre dibond 3mm. Tamaño 30 x 40 cm.
Ana Tornel, con su proyecto fotográfico " Estados Transitorios ", con fotografías hechas en 2019 y realizadas mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio :
Las 16 fotografías del proyecto fotográfico " Estados Transitorios " de Ana Tornel mostradas durante la IV Exposición Fotográfica Colectiva " White Balance " .
Ana Tornel, Licenciada en Fotografía por el Centre Iris de París (Francia), es hoy por hoy una de las mayores expertas del mundo en la técnica fotográfica antigua del colodión húmedo (consistente en sensibilizar, en un baño de nitrato de plata, una placa de vidrio o metal recubierta de una delgada capa de colodión fotográfico, exponer en una cámara, revelar y fijar la imagen mientras el colodión está todavía húmedo, aproximadamente 15 minutos),
" Estados Transitorios 17 ". Fotografía realizada mediente colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
que utiliza para apartarse de las tendencias estéticas dominantes, ofreciéndonos una perspectiva distinta de lo cotidiano, a través de fotografías con gran personalidad y una maravillosa estética vintage de segunda mitad del siglo XIX.
" Estados Transitorios III ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
No busca la perfección técnica de sus imágenes con respecto a poder de resolución, contraste y nitidez, sino jugar con la luz y el espacio, en un trabajo personal y autorreflexivo, creando atmósferas misteriosas, además de evocar épocas pretéritas, todo ello en el marco de una ontología fotográfica en la que se prioriza generar emociones mediante dramáticos contrastes de luces y sombras, algo que también está presente en otras obras suyas de altísimo nivel como " Natural Sensible " (2013), una exquisita colección de imágenes realizadas también con la técnica antigua del colodión húmedo en blanco y negro tamaño 18 x 24 cm sobre placa de aluminio de bellísimas flores, " Orgánicos " (2014), con imágenes de distintas flores y organismos vegetales plasmados con idéntico tamaño sobre placa de aluminio y cristal transparente, sin olvidar sus fabulosos ferrotipos " Crisálidas " , con los que plasma períodos en los que el ser humano experimenta cambios físicos , psicológicos y de la más variada naturaleza, fotografías que presentó con gran éxito en 2017 en los Rencontres Photographiques du 10º celebrado en París (Francia).
Por otra parte, Ana Tornel ha demostrado una gran capacidad pedagógica en la enseñanza del colodión húmedo, habiendo impartido númerosos talleres (tanto en España como en Francia), ha sido coordinadora de la Residencia de Artistas de Revela-T, ha participado en unas 40 exposiciones y ha recibido premios / menciones tan prestigiosas como, Luxembourg Art Prize, Julia Margaret Cameron Award, The Denis Roussel Awards, Barcelona International Photo Awards, Tokyo International Photo Awards, Premio PH21 Gallery o el PX3 Prix de la Photographie Paris.
Ha sido además coordinadora de la Residencia de Artistas de Revela-t, ha participado en unas 40 exposiciones y ha recibido premios / menciones tan prestigiosas como, Luxembourg Art Prize, Julia Margaret Cameron Award, The Denis Roussel Awards, Barcelona International Photo Awards, Tokyo International Photo Awards, Premio PH21 Gallery o el PX3 Prix de la Photographie Paris.
" Estados Transitorios 8 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
Con " Estados Transitorios ", Ana Tornel profundiza en el tema del olvido, inherente a la desaparición de personas o lugares, por lo que en 2019 instaló su laboratorio portátil en una antigua fábrica textil, para hablar de aquella época lejana y contar a través de sus imágenes las historias de hombres y mujeres que ya no recordamos.
" Estados Transitorios 10 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
Todo un logro fotográfico, porque la magia fotográfica que crea Ana Tornel consigue armonizar los períodos desconectados y el tiempo presente, reparando y tejiendo de nuevo todos los hilos de la trama, con telares envueltos en sudarios polvorientos a modo de fantasmas del pasado.
" Estados Transitorios 14 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
Además, estas imágenes de estética incomparable generan en cualquier observador la pregunta de qué ocurrió con aquellos trabajadores infatigables, de los que no quedó rastro alguno, en un intento por adentrarse en sus almas, devolviéndolos a su lugar de trabajo por momentos espectral, con el fin de confirmar una existencia pasada.
" Estados Transitorios 1 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
Ni que decir tiene que el magistral uso que hace Ana Tornel del colodión húmedo, con su sublime aspecto vintage y la belleza de imagen que generan las antiguas cámaras fotográficas de gran formato, fabricada en madera y con objetivos de latón, cuya corrección de las aberraciones ópticas está lejos de las ópticas fotográficas modernas, pero imprime inefable carácter a estas auténticas obras de arte, deja una huella indeleble sobre la placa de metal y hace que cada una de estas exquisitas imágenes sea única e irrepetible, además de que las imperfecciones de esta técnica fotográfica tan antigua se hacen eco en este proyecto de las taras y cicatrices físicas y psicológicas del ser humano.
" Estados Transitorios 5 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
Una dinámica que ha alcanzado sus más altas cotas artísticas y emocionales en la autora al utilizar la cámara Lorillon de gran formato formato 18 x 24 cm de 1927 con el objetivo cromado Boyer Saphir 300 mm f/4.5 con obturador Compur Boyer (con el que empezó) y el objetivo de gran formato para retrato E. Suter Rapid Portrait Lens nº 5 300 mm f/3.75 Petzval, además de algunas imágenes en las que utilizó una cámara Rolleiflex binocular de formato medio 6 x 6 cm con respaldo para película plana y objetivo Carl Zeiss Planar 80 mm f/2.8.
" Estados Transitorios 12 ". Fotografía realizada mediante colodión húmedo sobre placa de aluminio. Tamaño 18 x 24 cm / 26 x 32 cm enmarcada con marco artesanal.
La producción fotográfica de Ana Tornel con colodión húmedo es totalmente artesanal, con la cámara y el objetivo sobre trípode, y con exposiciones muy largas entre 4 y 12 segundos, a veces incluso 26 segundos, porque la emulsión tiene una sensibilidad entre ISO 0,75 e ISO 1.
Pero este nivel de esfuerzo y dedicación merece totalmente la pena, porque con esta modalidad de fotografía analógica obtiene una amplia gama tonal, una textura que aporta una sensualidad especial y un admirable nivel de detalle, con una ulterior meta muy importante para ella : explorar una estética diferente en la fotografía e intentar alejarse de una forma frenética de disparar.
Algo que es también palpable en otras soberbias fotografías de Ana Tornel, pertenecientes a su serie " Crisálidas ", hechas también con la técnica antigua del colodión húmedo sobre placa de aluminio y que están presentes en otra zona del Est_Art Space de Alcobendas :
demostrando una vez más que es un referente internacional en el ámbito del colodión húmedo,
junto a otros reconocidos especialistas como Quinn Jacobson (con quien inició su formación en 2012 en París y un año después realizó también con él un curso avanzado sobre negativos de colodión y técnicas de impresión en papel salado, albuminado y aristotipos durante el Festival Revela-T en Barcelona), Klavdij Sluban y Diana Lui ( asistiendo a una MasterClass impartida por ambos en 2015), Álex Timmermans, Andreas Reh, Christine Fitzgerald, Dennis Ziliotto, Geoffrey Berliner, John Coffer, Patrick Van den Brande, etc.
Finalmente, también fueron parte de esta cuarta edición de la Exposición Fotográfica Colectiva White Balance 2004 una selección de fotografías realizadas por Alumnos de la Escuela Oficial de Fotografía PIC.A Alcobendas PhotoEspaña ( Antonio Hernán, Carlos San Miguel, Luis Díaz, María Bellet, Pachi Sánchez, Julián Campillo, Luisco Arnal, Luis M. Prado, Carmen Ruiz, Vicente Calzado, Loli Cañaveras, Pedro Alcalá, Sensi Valverde, Emilio Arrabal, José A. García, Jacinto García, Marian Díaz, Mercedes Hormaeche, Vanesa Blanco, Virginia Jiménez, Luis Mendía, José Antonio Lorenzo, Cristina Sendino, Ángel García, Encarna Fernández, Mario Poyato, Adolfo Paniagua, Víctor Ramírez Orozco, Santiago Sánchez, Puri Moreno Marín, Ruth Emo, Juan Manuel Nogales, Enrique Diego, Luis Mari Esteban, Manuel Simón, Ángela Márquez, Fernando Gómez, María Parrondo, Gabriel Caras, José Santisteban, Carmen Galán, Francisco Consuegra Gil, Anabel Ballesteros, Elena Lenguas, Antonio Martínez, Felipe Gallego, Joseba Díez, José Luis Cabero, Ana López Esteban, Javier Álvarez, Marina Vargas, Carlos R. Bardón, Belén Vaíllo, Montse Rodríguez, Moisés Salazar, Irene Traid, Teresa Expósito, Paulino de la Guía, Javi Martínez, Merche García, María Ángeles Castro y Cristina López), exhibidas en la planta entresuelo del Est_Art Space Alcobendas y que pusieron el broche de oro a esta inolvidable e histórica exhibición fotográfica que dejó muy buen recuerdo en todos los asistentes a este evento :
EL FRUTO DE LA PASIÓN Y ENORME ESFUERZO POR AYUDAR A ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS QUE ESTÉN VIVOS Y PRODUCIENDO OBRA
Organizar un evento fotográfico-artístico como la IV Exposición Fotográfica Colectiva White Balance 2024, que ha tenido tres meses de duración, entre el 12 de junio y el 24 de agosto de 2024, con tantos fotógrafos de gran nivel, muchos de ellos figuras reconocidas en sus respectivos ámbitos tanto a nivel nacional como internacional, y con mucha carretera corrida, junto con otros emergentes de admirable talla, en el marco de una producción notablemente ecléctica en temática, no es algo que se consigue de la noche a la mañana.
Es fruto del enorme tesón, esfuerzo, pasión por el arte y la fotografía y capacidad de sufrimiento de
Javier Montorcier
y Maite Sánchez Ureña,
