jueves, 9 de marzo de 2017

XV BIENAL DE FOTOGRAFÍA DE CÓRDOBA: ACTO DE PRESENTACIÓN DE UN EVENTO DE AUTÉNTICA TALLA INTERNACIONAL EN 2017

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                                      Photo: Antonio Jesús González

                                     Photo: Antonio Jesús González

Hoy 9 de Marzo de 2017 a las 10:00 h de la mañana ha tenido lugar en el Palacio de Orive (sede de la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba) el acto de presentación de la XV Bienal de Fotografía de Córdoba, en el que han participado David Luque (Teniente de Alcalde de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de Córdoba), Juan Carlos Limia (Coordinador General de la Bienal), Oscar Fernández (Comisario de la Sección Oficial) y José Gálvez (Presidente de AFOCO).

La XV Bienal de Fotografía de Córdoba se celebrará entre el 23 de marzo y el 21 de mayo de 2017 y sus contenidos (tanto desde el punto de vista de las exhibiciones fotográficas de primerísimo nivel que serán ofrecidas al público asistente como de la presencia de destacados fotógrafos y expertos en historia de la fotografía con mucho recorrido y experiencia a sus espaldas que protagonizarán una amplia gama de conferencias, mesas redondas, talleres, etc) la convierten sin ningún género de dudas en un evento de auténtica dimensión internacional, con un menú de lujo en el que destacan:

SECCIÓN OFICIAL


- La Maleta Mexicana, la más importante exhibición fotográfica mostrada en el mundo en lo que va del siglo XXI junto con Genesis de Sebastiao Salgado.

Un auténtico tesoro de imágenes de incalculable valor fotográfico e histórico: 4.500 negativos originales de fotografías realizadas por Capa, Gerda Taro y David Seymour Chim durante la Guerra Civil Española que aparecieron intactos en 1995 en México y fueron recuperados por el ICP de Nueva York en Diciembre de 2007.



Son negativos formato 24 x 36 mm de película de blanco y negro pancromática, mayormente de nitrato, con sensibilidad nominal Weston 32 (equivalente a aproximadamente ISO 40) , cuyo aroma es ciertamente indescriptible, además de aportar una estética de imagen vintage muy característica y distintiva (gracias a su muy alto contenido en plata) a las grandiosas fotografías, que pese a haber sido realizadas hace más de 80 años exponiendo emulsiones químicas de blanco y negro con abundante presencia de grano, ello es compensado por la gran acutancia del revelador Agfa Rodinal y otros usados por Csiki Weisz (laboratorista de Capa, Chim y Taro) para potenciar la sensación visual de nitidez en el observador, que es preservada incluso en ampliaciones de gran tamaño, un auténtico deleite visual e histórico para los amantes de la fotografía de blanco y negro clásica, epicentro vital de la época dorada del fotoperiodismo mundial durante los años treinta, cuarenta y cincuenta.

La extensa red de comunicaciones de trenes AVE de alta velocidad, tanto en el interior de Andalucía como en el resto de la geografía española, genera amplias posibilidades para todos aquellos amantes del histórico fotoperiodismo de guerra, tanto en clásico blanco y negro como en color, que deseen acudir a Córdoba para contemplar en directo (en copias sobre papel fotográfico de muy alta calidad, con frecuencia en tamaños grandes, una experiencia inolvidable y totalmente diferente a ver las fotografías en internet) extraordinarias imágenes que en gran medida definieron el pasado siglo y que constituyen el núcleo de esta XV Bienal de Fotografía de Córdoba, auténticamente de élite.

Conseguir traer a Córdoba esta fabulosa exhibición fotográfica que ha visitado las urbes más importantes del mundo es un impresionante éxito para la ciudad a orillas del Guadalquivir, que hoy en día tiene aproximadamente 328.000 habitantes, pero se enorgullece de una riquísima y muy interesante historia fotográfica (hasta el punto de que, tal y como descubrió Antonio Jesús González, tan sólo nueve meses después de presentar Louis Daguerre su invento en París en 1839, ya hubo un daguerrotipista haciendo fotos en Córdoba) protagonizada por grandes fotógrafos que desarrollaron su actividad en ella desde mediados del siglo XIX hasta hoy en día, destacando las figuras de Rafael Garzón Rodríguez, José García Córdoba, Emilio Godes Hurtado, Montilla, Manuel Alcalá, J. Albors, Tomás Molina, José García Córdoba, Ricardo, Tejada, Francisco Linares, Framar, Ladislao Rodríguez Benítez, Juan Vacas, José Gálvez, Ladislao Rodríguez Galán, Francisco Sánchez Moreno y muchos otros.

Ya durante los años noventa, la Posada del Potro en Córdoba albergó fabulosas exhibiciones fotográficas que la convirtieron por entonces en la tercera sala más importante de Europa en esta faceta, sin olvidar la progresiva consolidación tanto de los Premios Mezquita (que gozan de un merecido prestigio) como de la Bienal de Fotografía de Córdoba en sus sucesivas ediciones, además de la consecución de un histórico logro: Córdoba es hasta la fecha la única ciudad de España a la que le ha sido otorgado el Premio Nacional de Fotografía en sus cuatro categorías: 1992 (AFOCO), 1993 (Ayuntamiento), 1998 (Revista Diafragma Foto) y 2006 (al fotógrafo José F. Gálvez).

Pero en esta XV Bienal de Fotografía de Córdoba se han batido todos los récords.

                                © Susan Meiselas / Magnum Agency

- Nicaragua, el gran reportaje realizado por Susan Meiselas (fotógrafa de la Agencia Magnum desde 1980, Medalla de Oro Robert Capa en 1979, MacArthur Fellow en 1992, Medalla del Centenario y Miembro de Honor de la Real Sociedad Fotográfica de Gran Bretaña en 2006) entre Junio de 1978 y Julio de 1979, durante la lucha entre el Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN) y las tropas del dictador Anastasio Somoza.

Son imágenes impresionantes, entre las que destaca la icónica en la que aparece el guerrillero Pablo "Bareta" Arauz a punto de lanzar un cóctel Molotov realizado a partir de botella de Pepsi Cola sobre una de las últimas posiciones de la Guardia Nacional en Julio de 1979. Es un documento gráfico potentísimo y muy significativo, que sintetiza de modo magistral la tensión, furia y peligro constantes inherentes a cualquier guerra.


- Historia Gráfica de la Guerra Civil en Córdoba, una extraordinaria colección de imágenes de la Guerra Civil Española, muchas de ellas inéditas.

Producción propia de la XV Bienal de Fotografía de Córdoba, con fotografías de ambos bandos y aderezada por la presencia de abundantes documentos, periódicos y revistas originales de la época.

Comisariada por Juan Manuel Fernández Delgado, es hoy por hoy uno de los más importantes compendios a nivel mundial de fotografías sobre el conflicto bélico que asoló España entre 1936 y 1939 y que permiten situar al observador en contexto para poder entender cómo se vivió la contienda en Córdoba capital y provincia.


- Imágenes del Mundo y Epitafios de Guerra. Se trata de una amplia y muy interesante exposición producida por la XV Bienal de Fotografía de Córdoba en colaboración con el Goethe Institute y procedente de la colección de Michael Zapke, reconocido fotógrafo profesional alemán afincado en Sevilla desde 1980, con gran experiencia en fotografía publicitaria, de arquitectura (ha publicado imágenes en la revista alemana Baumeister), editorial (con imágenes en libros de Taschen y Könemann) y pasiajística, con sólida formación óptica en Munich durante la segunda mitad de los años sesenta, habiendo publicado varios libros sobre España, Andalucía y Sevilla desde 1999 y fotografías en El País/Aguilar, Planeta Agostini, RACE, Nuevo Estilo, Elle, Fundación Sevillana Endesa, GEO, Fundación Las Edades del Hombre, Museo de Relojes de Jerez de la Frontera, Museo Arqueológico de Alicante y muchos otros, incluyendo excelentes reportajes sobre los sublimes patios y paisajes de Andalucía Es además un gran coleccionista de cámaras y objetivos de distintos formatos y épocas (de los cuales su exposición ofrecerá un amplio surtido de modelos utilizados durante la Guerra Civil Española), así como experto de talla mundial en el uso de cámaras panorámicas, fotografía de 360º e influencia de la tecnología en el discurso fotográfico.
Nick Ut, fotógrafo de Associated Press, autor de las dos fotografías que aparecen en la doble página del número de la revista Life del 23 de Junio de 1972 (y que fueron realizadas el 8 de junio de 1972 a las afueras del pueblo vietnamita de Trang Bang. La de la derecha es la mítica imagen de la niña de 9 años Phan Thi Kim Phúc corriendo aterrorizada con su cuerpo quemado por las bombas de napalm y fósforo blanco lanzadas durante el bombardeo de la mencionada población por la aviación de Vietnam del Sur contra fuerzas del Vietcong que habían ocupado la aldea), que forma parte de la valiosa colección de Michael Zapke.

                                                   © Carole Alfarah

- Wa Habibi, exposición de fotografías realizadas por la fotoperiodista siria Carole Alfarah entre 2012 y 2014 durante la Guerra de Siria.

Son imágenes con notable fuerza expresiva que plasman sensaciones, vivencias y recuerdos experimentados por personas normales cuya vida ha sido rota por dicho conflicto bélico: las viudas, los enfermos, los muertos, los huérfanos, los pobres, etc, con los conceptos de fotografía y memoria como amalgama indisoluble en pos del recuerdo de la existencia y experiencias vitales protagonizadas por seres humanos en condiciones límite y una lucha diaria por la supervivencia durante años, etc.

Y para ello, Carole Alfarah utiliza su cámara fotográfica como una herramienta con poder y capacidad para captar esa pléyade de emociones, percepciones, sentimientos, añoranza de seres queridos muertos en la guerra, miedo al futuro, desarraigo, emigración forzosa, barrios enteros destruidos, lucha de las madres por sacar adelante a sus hijos en contextos de absoluta miseria, ternura en las miradas en medio de la adversidad, el ominipresente olor de la muerte, etc.

                                                     © Rafael Alcaide

- Fronteras, exposición de fotografías creadas por Rafael Alcaide (fotógrafo de la Agencia EFE, que trabajó previamente en el Diario de Córdoba y ABC Córdoba, profesional con notable versatilidad, cuyos reportajes de fotoperiodismo y moda - una fotografía suya fue elegida como imagen de la edición 2016 de Madrid Moda - han sido publicados por un amplio elenco de periódicos y revistas tanto nacionales como extranjeros.

Es además un experto en producción de video y grabación de imágenes con drones, ámbito en el que fue uno de los pioneros en España.

Fronteras es un conmovedor relato visual del mayor éxodo forzoso del siglo XXI, protagonizado por refugiados procedentes de Siria, Irak y Afganistan, con fotografías hechas por Rafael Alcaide en 2015 durante su marcha junto a cientos de personas de los mencionados países en plena odisea a pie desde la frontera serbo-húngara, cruzando a continuación a través de Croacia o Eslovenia y cuyo objetivo era llegar a Austria.

Son imágenes desgarradoras de personas a las que la guerra ha obligado a dejar atrás sus vidas y hogares previos, y que se enfrentan ahora a un futuro incierto, que el fotógrafo capta con precisión y sensibilidad mediante documentos gráficos en los que se aprecia a niños refugiados asustados cuyos ojos reflejan el horror de la guerra que han vivido en directo y que van a bordo de autobuses y trenes en extenuante singladura a través de países de Europa en lamentables condiciones higiénicas y de hacinamiento, el dramatismo que impregna la llegada a todos y cada uno de los campamentos de refugiados, repletos de miles de hombres, mujeres y niños que huyen de los conflictos bélicos del Oriente Próximo, con escenas constantes de golpes y expulsiones por parte de policías antidisturbios húngaros y eslovenos, hipotermias, agotamiento, falta de alimentos y agua, etc.

MESA REDONDA FOTÓGRAFOS EN GUERRA, FOTOPERIODISMO CONTEMPORÁNEO EN ZONAS DE CONFLICTO

Moderada por Pablo Juliá, Exdirector del Centro Andaluz de Fotografía, es otro de los platos fuertes de esta histórica XV Bienal de Fotografía de Córdoba que se celebrará a partir del 23 de Marzo de 2017, ya que contará con la presencia de tres fotógrafos de guerra españoles de talla internacional:


- Emilio Morenatti: Hoy por hoy uno de los mejores fotoperiodistas de guerra y de seres humanos del mundo, con una experiencia de 28 años en los que ha cubierto conflictos bélicos en diferentes países, especialmente Oriente Medio, Pakistán y Afganistán.

Master en Fotoperiodismo y Fotografía Documental por la Universidad de Arte de Londres y Fotógrafo de Associated Press desde Marzo de 2004 (tras su etapa como fotógrafo de la Agencia EFE desde 1992), ha sido elegido Mejor Fotoperiodista del Año PoYI (Pictures of the Year International) de la Escuela de Periodismo de Missouri (Estados Unidos) 
en 2009 y por la NPPA (National Press Photographers Association) de Estados Unidos en 2010, habiendo sido galardonado también con el primer premio FotoPres 2009 otorgado por la Obra Social La Caixa (año en que fue finalista del Premio Pulitzer por su cobertura de la Guerra de Afganistán), el Premio Godó de Fotoperiodismo 2009, la Medalla de Oro de la National Headliner Awards del Press Club de Atlantic City en 2010, el Lucas Dolega First Photo Award 2012 en el Hotel de Ville de París, el premio Ortega y Gasset, Medalla al Mérito Laboral de la Junta de Andalucía 2010 y el World Press Photo 2013.

El 11 de agosto de 2009 supuso un punto de inflexión en su vida cuando resultó gravemente herido como consecuencia de la explosión de una enorme bomba al paso del vehículo Stryker de transporte blindado de personal del ejército de Estados Unidos (dotado con visión térmica y motor diésel Caterpillar 3126, pero cuya protección acorazada de 14.5 mm y el reforzamiento del blindaje de la zona inferior y modificaciones en el casco introducidas el año anterior y que incluían perfil rediseñado con forma en V para mejorar la protección ante explosión de minas y bombas así como asientos reforzados anti minas y los grandes módulos acorazados aplicados a las superficies del blindado así como las escotillas rediseñadas, no pudieron impedir la rotura del casco del vehículo, que quedó volcado, reducido a un amasijo metálico humeante y que la metralla penetrara dentro ) en cuyo interior viajaba cubriendo la guerra en la zona en el desierto al sur de Afganistán, en la provincia de Kandahar, perdiendo la zona inferior de su pierna izquierda y sufriendo una gran hemorragia que pudo ser contrarrestada a tiempo por el torniquete practicado en la zona del muslo por un soldado norteamericano, siendo evacuado junto a un marine que iba con él dentro del mencionado blindado (y que había perdido las dos piernas) a un helicóptero, en cuyo interior ambos se estrecharon las manos en un acto espontáneo de gran solidaridad mutua mientras la aeronave despegaba. 


Fueron momentos durísimos que tuvieron su continuidad en una dolorosa y larga rehabilitación que precisó de una gran fortaleza no sólo física, sino también psicológica, y en la que el amor por su familia, la pasión por la fotografía (que es lo que más le gusta hacer, así como el contar historias que ha presenciado in situ y preservar el compromiso con la sociedad) y el cariño y ánimo de los compañeros de profesión, se convirtieron en los factores clave de su recuperación, potenciada por el progresivo conocimiento y práctica con diferentes tipos de prótesis, así como la gran atención médica prestada por el Walter Reed National Medical Center en Bethesda (Maryland), el mejor hospital de rehabilitación de Estados Unidos.


Morenatti no es sólo un grandísimo fotógrafo de guerra que una y otra vez ha captado con su cámara momentos muy representativos y definitorios en zonas de enorme peligro, arriesgando constantemente su vida (aunque no conceptúa su trabajo como una profesión de riesgo, sino que lo importante para él es el componente de aventura que implica el visitar nuevos lugares, documentar lo que allí ocurre y darlo a conocer a las personas de todo el mundo que no pueden ir allí, que la imagen se entienda y que el mensaje llegue) y acercándose al máximo, sino que es un hombre de gran humanidad y sensibilidad que le ha permitido también diacrónicamente empatizar con las personas a las que ha fotografiado, incluso en los contextos más extremos y desdichados, como por ejemplo el reportaje que realizó sobre Violencia de Género en Pakistán a mujeres que habían sufrido ataques con ácido a causa de disputas entre familias, maridos muy violentos o el rechazo a pretendientes matrimoniales que no eran de su agrado.


Es un contexto terrible, marcado por la tragedia, con mujeres víctimas de un machismo atroz, estigmatizadas, sumidas en la tristeza, inmersas en continuas operaciones de cirugía plástica y que afrontan una muy difícil lucha vital para salir adelante, haciéndolo con grandes dosis de coraje y margen para la esperanza. 

Una esperanza que en la extensa trayectoria como fotoperiodista de Emilio Morenatti ha tenido su epicentro en momentos mágicos como la imagen captada el 4 de octubre de 2004 con teleobjetivo a unas niñas en el poblado de Ghumaipayan Mahnow, en la provincia de Badakhshan, al norte de Afganistán (cerca de la frontera con Tajikistán, unos 410 km al noreste de Kabul), vestidas con ropa peculiar de vivos colores mientras miran a distancia, con curiosidad, desde una colina, al primer helicóptero que veían en su vida, ubicado tras el fotógrafo; o la del padre afgano que levanta alborozado en brazos a su bebé en el campo de refugiados de Jalozai cerca de Peshawar (Pakistan) en 2009.

Todo ello muchos años después de descubrir la fotografía e iniciarse en la alquimia y magia del blanco y negro en el laboratorio doméstico de su hermano Miguel Ángel y experimentar la inefable emoción de percibir como un papel blanco se convierte en una imagen fotográfica. 

Su talento para situarse en la mejor posición para disparar y obtener el mejor encuadre resulta ciertamente inefable, y es además un claro ejemplo de fotoperiodista de raza dedicado en cuerpo y alma a su profesión (algo sintetizado por la soberbia imagen captada por el también fotógrafo de AP Ramón Espinosa fotografiando con baja velocidad de obturación a Emilio Morenatti en pantalón corto y camiseta de manga corta azul oscuro y rayas blancas en un parque de México D.F corriendo con su prótesis metálica el 28 de agosto de 2010), viviendo cada foto con máxima intensidad, aderezadas por otras dos de sus cualidades más singulares: su gran humildad y compañerismo.


- Samuel Aranda: Fotógrafo de guerra español de relieve internacional con casi 20 años de experiencia. 

Ganador del Premio World Press Photo of the Year 2011 por la icónica imagen de una madre que consuela a su hijo herido en el conflicto de Yemen.

Hombre hecho a sí mismo, siendo muy joven trabajó en una tienda de la cadena Fotoprix en Barcelona hasta que inició su andadura profesional en los diarios El País y El Periódico de Catalunya, comenzando a trabajar poco después para la Agencia EFE en Oriente Medio, fotografiando el conflicto palestino-israelí.

Desde 2004 trabaja para la Agencia France Press, habiendo realizado reportajes en el Sáhara Occidental, Egipto, Marruecos, China, Irak, Yemen, Pakistán, Líbano, Franja de Gaza, Colombia y España.

Arquetipo de "concerned photographer" con un gran amor por su profesión e interesado en documentar temas de carácter social, emigraciones forzosas, guerras y todo tipo de contextos que generen sufrimiento en seres humanos humildes a los que dignifica con su cámara, fotografiándoles con gran respeto.

Sus fotografías han sido publicadas por periódicos y revistas del prestigio de National Geographic, Stern, Sunday Times Magazine, Le Monde, El País Semanal y el New York Times, además de haber trabajado también para Corbis y Getty Images.

En 2016 le fue otorgado el Premio Ortega y Gasset por su trabajo sobre los refugiados. 

Ha realizado también: 

En el Congo las Guerras son Pequeñas y el Caos Interminable, un excelente reportaje publicado por el New York Times el 30 de Abril de 2016 con fotografías de cientos de personas desplazadas de la etnia Bambote (tradicionalmente habitantes de zonas boscosas) en la República Democrática del Congo, obligadas a refugiarse en una antigua fábrica abandonada de algodón ubicada en plena jungla en Nyunzu (al sudeste del país) junto a máquinas de hierro oxidado que llevan décadas sin funcionar, sin electricidad ni agua, para protegerse de las guerras que continuamente azotan el país, viéndose obligados a diario a penetrar en la selva para cazar y poder sobrevivir.

Nómadas del Sahel, fotografiando a familias que viven desde hace siglos en la frontera entre Mauritania y Malí y cuyas vidas transcurren viajando con sus pertenencias y animales a través del desierto africano. 

Es una bella narración en blanco y negro que describe fielmente la itinerante existencia de estas personas (tanto con imágenes diurnas como nocturnas, mientras realizan diversas actividades cotidianas) y de diferentes especies de animales vitales para su sustento diario y la perpetuación de su ancestral cultura, ya que la ganadería es fundamental para ellos, al igual que el cultivo de cereales.

Crisis de Refugiados en Europa, con estremecedoras imágenes de refugiados que procedentes de países en guerra de Oriente Medio, Asia y África llegan a las costas de Europa tras una peligrosísima travesía del Mediterráneo en atestadas barcazas, tras sufrir innumerables penalidades y muriendo muchos de ellos por el camino.

Son fotografías que revelan una vez más algo que debería avergonzar a todo el mundo.

Especialmente significativa en este sentido es la impresionante fotografía de una joven madre que ha llegado hasta la playa nadando como ha podido con su bebé sentado y atado a una silla tras encallar la embarcación en la que iban a cientos de metros de la costa. 

La expresión facial de la madre aterrorizada y presa de la angustia, captada por el fotógrafo desde una posición elevada mientras lucha denodadamente por mantener a su hijo a flote y evitar que se ahogue, es devastadora. 

Asimismo, es más que elocuente otra imagen en la que se ve al fondo a una familia de refugiados sirios sin agua ni alimentos que acaban de arribar a un pueblo europeo tras dura marcha poco después de llegar a la costa, mientras que en primer plano se aprecia, ligeramente desenfocados, a seis habitantes del lugar que se están atiborrando a comer y a beber, contraste que es todavía más acentuado por la presencia de lujosos collares en una joyería que aparece en la mitad superior izquierda de la imagen.

Por otra parte, entre su ya extensa y ecléctica producción de imágenes figuran ensayos fotográficos sobre El Ébola en Sierra Leona y Guinea Conakry, La Campaña del primer ministro turco Erdogan, El Desarrollo Rural en Guinea Bissau, Las Orillas del Nilo, Melilla Puerta Trasera de Europa, Marbella, La Crisis Económica en España, Los Refugiados en Yemen, Tunicia en Transición, Las Montañas Occidentales de Libia, Libia en Guerra, La Revolución en Egipto, La Camorra Napolitana, Nueva York, la Trashumancia, Inmigrantes Menores de Edad en España, Transnistria Territorio en Disputa, Los Niños de las Calles de Bucarest, Medellín del Miedo a la Esperanza, La Guerra del Líbano, La Memoria Histórica en España, Las Elecciones en Serbia, Gaza, El Mar de Aral en Uzbekistán, China se prepara para los Juegos Olímpicos, Pakistán en Kodachrome, Luces y Sombras en Uzbekistán y otros.


- Manu Brabo:

Fotoperiodista español freelance de talla internacional residente en Turín, ganador del Premio Pulitzer en 2013 por su cobertura de la Guerra de Siria para la agencia Associated Press entre febrero y diciembre de 2012.

Formado en el blanco y negro clásico (del que es un gran amante) y conceptualmente vinculado al fotoperiodismo de la época dorada de los años treinta, cuarenta, cincuenta y sesenta ( en la que el generar toda la empatía posible con los seres humanos fotografiados y el acercarse al máximo a ellos en el momento del acto fotográfico eran factores vitales), utiliza sobre todo ópticas fijas de 50 mm y 24 mm buscando la máxima aproximación posible para conseguir buenas imágenes y vivir sus fotos con cenital emoción, ya que conceptúa su trabajo fotográfico no como una profesión, sino como una forma de vida.

Desde 2007 ha documentado todo tipo de conflictos sociales en distintos países del mundo, incluyendo el impacto de desastres naturales, cambios políticos, levantamientos populares, revoluciones y guerras civiles en países como Libia, Siria, Kosovo, El Salvador, Haití, Bolivia, Honduras, Egipto, Ucrania y otros.

Sustrabajos han sido publicados por medios internacionales de la talla del New York Times, Der Spiegel, International Herald Tribune, Die Welt, The Guardian y muchos otros.

Es miembro de la cooperativa fotoperidística MEMO (Memory in Motion), así como cofundador de la revista multimedia con el mismo nombre junto a Fabio Bucciarelli, Guillem Valle, Diego Ibarra y José Colón, con el objetivo de potenciar la narración de historias con imágenes mediante el uso combinado de la fotografía con nuevas tecnologías como el video Full HD y 4K, el audio de alta calidad, la animación 3D y la infografía, en sinergia con textos relativos a los documentos gráficos obtenidos y el compromiso por narrar conflictos y el modo en que se realiza su cobertura informativa, aunando los puntos de vista de cinco fotógrafos cada uno con su propio estilo y modo de expresión.

Desde 2013, su producción fotográfica ha surtido a varias agencias de noticias, entre ellas AP y EPA (European Press Photo Agency).

Sus imágenes de guerra destacan por la gran proximidad al núcleo de la acción, su fuerza y el dramático impacto visual para cualquier observador. 

Por mencionar sólo algunos ejemplos:

- Un soldado de las fuerzas libias del gobierno de Trípoli es ayudado por varios camaradas tras ser herido por un francotirador del IS en el frente de Sirte (Libia) en Octubre de 2016.

- La imagen de otro soldado de las fuerzas libias del gobierno de Trípoli disparando sentado con una ametralladora contra las fuerzas del IS a través de una ventana desde el interior del Banco Central de Sirte (Libia), gravemente deteriorado por los combates. Imagen muy potente, ligeramente movida y algo desenfocada (lo cual no importa en absoluto, ya que lo importante es plasmar ese momento específico definitorio), fruto del contexto de tensión imperante, el retumbar del suelo a consecuencia de las ráfagas de disparos, la presencia de otro soldado muy cerca de él (que está de pie también abriendo fuego a través de otra ventana) y la velocidad de reacción que precisa el fotógrafo para captarla.

- Miembro del Cuerpo de Respuesta Rápida de la policía de El Salvador conocidos como Halcones dirigiéndose con su ametralladora en mano hacia una zona conflictiva en San Salvador (El Salvador) en Mayo de 2015 en plena noche.

Imagen sobrecogedora en blanco y negro, impregnada de gran semántica visual y que compendia magníficamente la situación que está viviendo este país centroamericano, con sus mayores niveles de violencia y crímenes desde el final de su guerra civil hace 25 años. 

La baja velocidad de obturación utilizada y la gran capacidad de anticipación y velocidad de movimientos del fotógrafo (cimentada por sus cuatro años previos como fotógrafo deportivo antes de decantarse por la fotografía de guerra) han sido factores clave para poder captar la imagen en una situación tan convulsa, junto con la composición diagonal, el rostro encapuchado del policía intentando no ser identificado por las peligrosas bandas rivales y el dedo presto a apretar el gatillo del arma automática, sintetizando magistralmente un contexto poco menos que irresoluble, repleto de violencia, fruto de la más que precaria situación económica y social de un país cuya población civil sufre desde hace muchas décadas las luchas por el poder y el dinero entre bandas rivales de narcotraficantes y extorsionadores, gobiernos corruptos y fuerzas paramilitares a su servicio que están provocando más de 6.500 muertos al año.

La imagen perteneciente a su serie Lágrimas Congeladas en Ucrania Oriental, en la que Manu Brabo fotografía a una mujer de ascendencia rusa agachada llevándose las manos a la cara y llorando junto al cadáver de un pariente muerto a consecuencia de un presunto proyectil del ejército ucraniano que ha estallado en la zona de Semashko, Kirovsky, en el distrito de Donetsk (Ucrania).

La capacidad del fotógrafo para volverse por así decirlo invisible y no ser detectado mientras hace la foto, el sueño diacrónico de cualquier buen fotoperiodista, son encomiables, así como la precisión en el timing a la hora de apretar el botón liberador del obturador de su cámara justo en el instante más representativo.

La composición ligeramente diagonal hacia la izquierda, el sabio uso por parte del fotógrafo de un diafragma abierto para realzar todo lo posible a las dos personas protagonistas de la foto, la sangre visible que mana de la cabeza del hombre muerto en la que ha impactado un trozo de metralla, la dirección opuesta en que han quedado ambos brazos en posición muy antinatural y que indica claramente una muerte en el acto y caída convulsa de bruces y el profundo desgarro en la zona superior de la manga izquierda de su anorak en el que ha impactado otro trozo de metralla que probablemente le ha seccionado en gran medida el brazo izquierdo contrastan poderosamente con la macabra cotidianeidad que preside el área de bokeh de la imagen, a muy pocos metros de la dantesca escena: dos hombres (visibles tras el gorro de lana marrón claro de la mujer rota por el dolor) caminan con plena normalidad en dirección opuesta, como si nada hubiera ocurrido, mientras en la zona superior de fotografía varias personas están charlando sobre cualquier tema. Es el epítome de una característica de las guerras: el valor de la vida humana se vuelve insignificante.

UN FOTÓGRAFO EN TU MESA. REVISIÓN DE PORTFOLIOS

Los fotógrafos seleccionados podrán mostrar sus obras y recibir asesoramiento y consejos sobre el rumbo más adecuado al que dirigir sus esfuerzos y encauzar su futuro en este medio por parte de tres reconocidas autoridades en temas fotográficos y análisis de imágenes con criterio y muchas décadas de experiencia:


- Rafael Navarro: Un mago del blanco y negro artístico y de la fotografía como medio para expresar sensaciones ocultas y reflejar mundos interiores ajenos a la plasmación de lo evidente como misión, dejando que sean las propias imágenes las que definan lo que quiere transmitir.

Su obra ha sido expuesta desde los años setenta en más de 700 galerías y museos nacionales e internacionales y constituye parte de importantes fondos de instituciones por todo el mundo.

En su extensísima producción fotográfica destaca su acentuado interés por la figura humana, con el desnudo femenino y detalles de su anatomía como temas constantes, además de sus famosos dípticos preñados de discurso fotográfico propio.

Su visión fotográfica ha sido desde un principio única, genuina y fiel a sí misma, sin dejarse doblegar por modas y mercados y siempre con el objetivo de plasmar ideas y generar sensaciones en los observadores, a través de una pléyade de formas, texturas y sutilezas que con frecuencia se aproximan al reino de la abstracción, las más veces con la figura humana como núcleo creativo, con una admirable coherencia diacrónica. 

Dominador de todas las fases del cuarto oscuro de blanco y negro tradicional y atávico entusiasta de las hojas de contactos como aproximación inicial con respecto a los resultados obtenidos, él mismo ha revelado sus negativos y ha positivado sus copias sobre papel fotográfico durante muchas décadas, hasta sentir la llamada del color hace pocos años e iniciar su etapa como fotógrafo digital, pero siempre con un denominador común: controlar totalmente su producción, en especial el nivel cualitativo, el interés visual de sus imágenes y la delicadeza de las mismas, sustentadas en un inmarchitable sentimiento interno que le impulsa a decir cosas y la fotografía como camino más viable para exteriorizarlas, trasladando a cada una de sus imágenes lo que le inspira una situación o contexto específicos, siendo lo más importante de todo la capacidad creativa del artista para engendrar cosas que interesen, independientemente del medio o instrumentos utilizados.

Es académico de número de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis y en octubre de 2013 recibió el Premio Aragón Goya.

Trabajador infatigable de la fotografía de blanco y negro, su obra también ha mostrado con frecuencia la fusión de formas vegetales con porciones de paisajes, objetos y cuerpos, experimentando de modo incesante hasta encontrar los modos más eficaces de sugerir percepciones y emociones, con un lenguaje fotográfico fuertemente en el que se vislumbra la cinematografía de Carl Theodor Dreyer (con sus blancos níveos y negros profundos de largometrajes como Vredens Dag), Ingmar Bergman y el vanguardismo ruso. 


- Pablo Juliá:

Fotógrafo y periodista. 

Su pasión por la fotografía se inició con tan sólo 13 años de edad cuando vio la película Ciudadano Kane en un cine de Cádiz y quedó impresionado por la fotografía de Gregg Toland, caracterizada por su gran profundidad de campo que permitía al espectador ver los objetos y personas en primer plano con similar nitidez a las que aparecían al fondo, catalizando el que los observadores pudieran descubrir por sí mismos lo que más les interesaba en cada escena, en vez de depender en esta faceta de la elección previa por parte del director. 

Profesor Asociado en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Sevilla, en cuyo Departamento de Periodismo impartió la asignatura Periodismo Gráfico entre 1996 y 2007, siempre ha considerado que el saber mirar es una de las cualidades más importantes que ha de desarrollar todo buen fotógrafo.

Estuvo 20 años ligado al Centro Andaluz de Fotografía entre 1996 y 2016, siendo director del mismo entre 2007 y 2016, realizando una notable labor de potenciación del CAF junto a sus colaboradores Carlos Pérez-Siquier y Matilde Sánchez (viuda de Manuel Falces, fundador del CAF en 1992), consiguiendo algunos importantes logros como la organización en 2008 del Primer Encuentro Intrnacional de Centros de Fotografía, con asistencia de 20 países, además de históricas exposiciones como las de Jorge Rueda y Emilio Morenatti, el acuerdo alcanzado en 2007 con la Universidad de Sevilla y el Centro Andaluz del Paisaje para hacer una Bienal fotográfica con doble sede y la colaboración del fotógrafo Manuel Laguillo y la puesta en valor de Latitudes Festival de Fotografía de Huelva y la Filmoteca de Andalucía ( y su gran labor de restauración digital) junto con los cineastas Josefina Molina y Julio Diamante.

Licenciado en Historia Moderna y Contemporánea por la Universidad de Barcelona, trabajó varias décadas como fotoperiodista desde finales de los años sesenta, cubriendo todo tipo de acontecimientos durante la Transición Española para la revista El Socialista y posteriormente en revistas andaluzas especializadas como La Ilustración Regional y Torneo.

Poco después, fue Jefe de Prensa de la Junta de Andalucía junto con la periodista Lola Cintado, además de colaborar durante la segunda mitad delos años setenta con Cambio 16, Gentleman, Posible, etc, que publicaron muchas de sus imágenes.

En 1980 inició su andadura en El País, donde fue Jefe de Fotografía hasta 2007, realizando reportajes por todo el mundo y entrevistas a personalidades de la política y artistas famosos como Tina Turner y Jeanne Moreau.

Ha sido autor de numerosas exposiciones fotográficas individuales y colectivas.

Premio Andalucía de Periodismo en 1994 y Fotopress de Cultura, es un hombre con gran cultura visual y criterio en la evaluación de imágenes fotográficas, ya que durante toda su trayectoria profesional uno de sus objetivos prioritarios ha sido el ver constantemente las fotos de los demás y la preservación del concepto de fotografía como lenguaje universal que no ha de ser localista.

La puesta en marcha del Centro Andaluz de Fotografía en 2007 supuso un importantísimo punto de inflexión, que comenzó con la obra de nada menos que 38 fotógrafos internacionales de gran nivel como Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, William Klein, Martin Parr, Ferdinando Scianna, Gabriel Cualladó, Carlos Pérez-Siquier y muchos otros, yendo todos ellos a Almería durante una semana a hacer fotos, con el acuerdo de que cada uno dejaría seis imágenes, aunque al final tuvieron la gentileza de entregar todas. Incluso, Henri Cartier-Bresson no cobró y regaló dos maravillosos dibujos hechos por él.


- José María Díaz-Maroto :

Fotógrafo de dilatada trayectoria profesional que expone regularmente su obra desde 1981 y se inició en la fotografía de modo autodidacta, aprendiendo después de distintos fotógrafos de la Escuela de Madrid, convirtiéndose asimismo en habitual asistente a talleres y a Los Encuentros de Arlés (Francia).

Desde 1983 ha publicado más de cien artículos en una amplia gama de revistas y periódicos como Foto Profesional, El País, Diario El Mundo, Revista FV, La Fotografía, Diorama, Photo, Exit, Europ-Art, ABC, Visual, etc, así como abundante publicaciones, libros y catálogos.

Es un fotógrafo de mirada inquieta y viajero infatigable, ya sea en lugares olvidados de Cuba, poblaciones lacustres del río Amazonas, zonas arenosas del Cabo de Gata, que ha centrado su interés creativo en reportajes cotidianos, retratos ambientados y paisajes en los que muestra su dominio técnico que culmina frecuentemente con soberbias impresiones de tintas pigmentadas sobre papel baritado.

Fue fundador de Entrefotos (la primera feria de fotografía de Madrid) en 1998 junto con Luis Baylón, Evaristo Delgado y Pascuale Caprile y su presidente entre dicho año y 2005.
Ha sido además comisario de más de cincuenta exposiciones fotográficas y proyectos por toda la geografía española como Agua al Desnudo, Ocultos y Mitografías para la Fundación Canal de Madrid; Siete Décadas de Fotografía Española Contemporánea y Luz Continua para el Centro Andaluz de la Fotografía, Otras Culturas, Otras Fronteras para la Comunidad de Madrid, 15 Años de Fotografía Española Contemporánea, Combatiendo la Nada de Cristina García Rodero con ocasión del Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Alcobendas,  y otras.

Entre sus galardones figuran el Premio Purificación García 2006. Universidad de Murcia, Área Artes Plásticas 2008, Primer Premio, el Premio Artes Plásticas Gobierno de Cantabria 2008, el Premio Fotografía CCM 2008, Primer Premio y el Premio Purificación García 2012.

Por otra parte, sus imágenes reflejan además de una maestría técnica muy consolidada visible en obras como El Guiño del Dólar, Escocia y muchas otras, grandes dosis de curiosidad y una notable capacidad de observación, luchando por preservar su visión especial e íntima con respecto a las personas y contextos que fotografía.

SECCIÓN PARALELA:


- Carlos Duarte:

Lo humano & lo divino

Hace 6 años comencé una agónica carrera contra el reloj. Una serie fotográfica que me iba a llevar a lugares donde las personas poseen el tesoro de una mirada profunda, donde el tiempo no tiene valor, donde el interés económico no prima sobre el interés de lo humano y lo divino.

Almas en proceso de extinción que sabiamente resisten al cambio de un mundo globalizado y homogéneo, dirigido económicamente por grandes lobbies empresariales.
“Lo Humano y lo Divino” pretende acercarnos a historias personales que por su posición geográfica, política o religiosa poseen el privilegio de ser libres.
Una obsesiva lucha contra el tiempo por mostrar la poesía de la vida de estos seres antes de que les engulla el tsunami de la globalización. Como dijo el Novel de la Paz Kofi Annan:“Para que la globalización sea positiva, ha de serlo para pobres y ricos por igual. Tiene que aportar el mismo grado de derechos que de riquezas. Tiene que suministrar el mismo grado de justicia y equidad social que de prosperidad económica”
Biografía
Carlos Duarte (Jerez 1972) establece una comunicación intima con las personas que fotografía, buscando ese momento especial en el que sobran las palabras. En los últimos años, Carlos Duarte ha estado trabajando sobre etnias y pueblos que viven o han vivido al margen de la globalización. Actualmente está concentrado en la promoción de su primer libro “Entre mi corazón y mi índice”. Unas memorias fotográficas con historias que revolotean entre su corazón y su índice, llenas de emoción y de poética, y apoyadas sobre su obra fotográfica.
Carlos Duarte posee la medalla de oro de la Confederación Española de Fotografía y ha obtenido diversos premios, tanto nacionales como internacionales. Destacando certámenes tan importantes como Nacional Geographic Portrait, Primer puesto en la III edición Canson Infinity y dos veces finalista tanto en los Sony Awards como en la H.I.P.A.
En 2015 obtiene el primer premio en el certamen organizado por Adolfo Domínguez “Viaje a Ceylán” y más tarde gana un accésit en el concurso internacional Asisa.
Sus trabajos han sido expuestos en Galerías como la Somerset house de Londres y espaciofoto. Participando recientemente en la I Bienal de fotografía de Úbeda. Su trabajo se ha difundido en webs como Quesabesde, Xacata foto y en revistas como Lonely Planet Traveller.
cduartephotos@telefonica.net
- Manuel Jesús Pineda


Ausencias
Colección de rostros de pasajeros anónimos que en su quehacer diario se desplazan en los diferentes medios de transporte público de un lugar a otro de la ciudad. Un tránsito constante de personas, en su mayoría, desconocidas entre sí, que por un tiempo del trayecto comparten el limitado espacio del vehículo que los transporta.
Observo y escojo intencionadamente, desvinculando la toma de cualquier referencia espacio/temporal, la disposición azarosa de los cuerpos y los rostros que tras el doble velo del cristal humedecido por la lluvia y atenuado por la noche, me muestran por un instante toda su elocuencia expresiva concentrada en la tenue pero intensa luz urdida en sus miradas.
Miradas ensimismadas, perdidas y ausentes, que miran sin ver, que deambulan al compás de un tiempo detenido entre la memoria del pasado que nos determina, el acontecer presente que nos conforma y el devenir soñado que nos arrastra.
Biografía
Natural de Jerez, actualmente reside en Sevilla.
Diplomado en Ciencias de la Educación, se dedica a la fotografía de autor desde hace unos quince años. De formación autodidacta combina la actividad fotográfica con algunas colaboraciones literarias.
Ha sido distinguido en más de cincuenta premios nacionales e internacionales (Helie Memorial, Phoco Valdepeñas, Cerdá y Rico, Asisa, Diputación de Guadalajara, Alcala de Henares, Gil Marraco, Abeja de Oro…), exponiendo y proyectando su obra en diferentes festivales, ferias y galerías de arte (Espacio Foto, Madrid Foto, Festimatge Calella, Casa Arte, Entrefotos, Círculo de Bellas Artes…). Sus fotografías han sido adquiridas por diversas instituciones, museos y colecciones particulares. Ha formado parte del jurado en diferentes concursos, impartido conferencias y sus trabajos están editados en libros, catálogos y revistas especializadas.
majepisa@gmail.com
www.manueljesuspineda.es


- Jorge Isla

Sputtering

Después de numerosos intentos por parte de prestigiosos científicos como Gauss o Bessel, un astrónomo aficionado, Wilhelm von Biela, determinó en 1826 la órbita de un escurridizo cometa tras 12 semanas siguiéndolo a través de su telescopio.


Inmediatamente el astro tomó su nombre: Biela. No piensen ustedes que éste fue un cometa cualquiera, su acercamiento a la Tierra décadas más tarde desató el pánico en algunos países, especialmente en Chile, donde muchos creyeron que su impacto traería consigo nada menos que el fin del mundo. Por suerte, hoy podemos contar que aquel cuerpo celeste se desintegró, provocando una de las lluvias de estrellas más hermosas jamás recordadas, una grandiosa exhibición de luces fosforescentes de seis horas de duración.
Dos más, ocho, fue el tiempo que estuvo expuesta a la luz la placa de peltre en la que se originó la primera imagen fotográfica que se conserva. Fue en 1826 Joseph Nicéphore Niépce, un inventor aficionado, quien propició que la cámara oscura, un aparato que paradójicamente había inspirado siglos atrás el desarrollo del telescopio, tomara de la astronomía ese espíritu que sembró el germen de un nuevo arte: el de explorar el mundo en el que vivimos a través de la mirada. Y de esa forma, sin saber cuál iba a ser su rumbo ni su misión, nació y creció una disciplina que gracias a un asombroso desarrollo a lo largo del siglo XX ha obsequiado al ser humano con un legado de conocimiento que a día de hoy es indiscutible.
Sin embargo, en la actualidad nos cuestionamos más que nunca si ese tiempo ya pasó. Si el peso de la vasta enciclopedia visual que poseemos es demasiado elevado. Si desde la irrupción de la fotografía en su vertiente digital ésta se está matando a sí misma repetición tras repetición. Las teorías acerca del universo observable nos dicen que su tamaño está basado en la luz que ha sido capaz de alcanzarnos y que se trata de una magnitud relativa, pues proviene del pasado. Que el verdadero tamaño del universo va más allá de lo que ahora podemos detectar. ¿Alguna vez se han preguntado si podemos fotografiar lo que nuestros ojos no son capaces de ver?
Jorge Alamar
Biografía
Jorge Isla, (Huesca, 1992). Reside actualmente en Madrid.

De formación universitaria en Comunicación Audiovisual por la Universidad San Jorge de Zaragoza (2010-2014), cursa en 2015 el Máster de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia, donde en 2016 comienza a doctorarse en el El fotolibro español contemporáneo, además de ser becado en ese mismo año por la Escuela Lens en un Máster en Proyectos de Fotografía de Autor.

Durante 2015 y 2016 ha recibido la becas VEGAP 2015, Descubrimientos Photoespaña
2016, V Encontro de Artistas Novos en S. de Compostela, la Residencia A Quemarropa de Alicante y finalmente la Beca MAPA de la Escuela LENS.

Su obra ha sido expuesta de forma individual en CentroCentro Cibeles, dentro del proyecto Lanzadera (Madrid, 2016) -comisariado por Iñaki Domingo-, en la Fachada Media de Etopía (Zaragoza, 2016) y en la XV Bienal de Fotografía de Córdoba.

Además, su obra ha sido expuesta de forma colectiva en el Museo Centro del Carmen de Valencia, Galería Kir Royal (Madrid), Galería A del Arte (Zaragoza), MuVIM (Valencia), etc.

- Jesús Chacón:

Miradas de una ciudad
En este proyecto, fruto de tres años de trabajo, el fotógrafo reflexiona a través del retrato sobre el concepto de ciudad desde una perspectiva eminentemente humana. Así, pone en relieve a quienes la componen como principal valor del territorio.
Entre ellos, se encuentran artistas, intérpretes y deportistas de prestigio nacional e internacional como el diseñador David Delfín, la actriz Mariola Fuentes, el cocinero Dani García o el baloncestista Carlos Cabezas. No obstante, no faltan en la nómina los creadores que, fuera de los focos, trabajan a nivel regional e impulsan -a veces desde la invisibilidad- la ciudad.
Sin embargo, el suyo es un discurso silencioso que supera lo local y que confía en el que lo escucha con atención. Porque todos ellos tienen algo que contar. Hombres y mujeres con historias individuales conforman una historia única forjada en un riguroso blanco y negro, cercano a lo pictórico. Jesús Chacón detiene el tiempo pero permite que la imagen no concluya ahí: las miradas trascienden el marco, lo desbordan, y continúan pronunciándose.
Miradas de una ciudad propone de este manera un diálogo entre los que miran y son vistos, un juego que comienza en el estudio fotográfico en el que se han capturado las imágenes, cuando retratado y retratista se enfrentan a sí mismos y el uno al otro, y que culmina más allá de la sala de exposiciones. De algún modo, todas las fotografías reflejan el compromiso de quienes dedican su vida a las artes a pesar de los riesgos.
Biografía
Marbella 1975. Fotógrafo. De formación autodidacta inicia su trayectoria profesional a finales de los noventa. Antes de centrar su labor en la fotografía artística ha transitado por casi todos los ámbitos del mundo fotográfico (retratos, moda, publicidad, arquitectura, interiorismo,…). Ha trabajado para firmas internacionales como Red Bull, Dior o Hermès. Sus fotografías se han publicado en diferentes medios y revistas como El Mundo,El País, Absolute o Mondo Sonoro. Ha expuesto en numerosas galerías y su obra ha merecido distintos galardones, entre otros, el LAUS de bronce en 2013 y el Primer premio del International Tour Film Festival de Roma 2015.
Su obra busca –partiendo de una sólida experiencia técnica– retomar esa mirada inocente donde la imagen se convierte en el lugar de la luz y del instante.
www.jesuschacon.com


- Katy Gómez Catalina:

12 horas en el Louvre
Heredero del siglo de las luces y de la Revolución Francesa, el museo del Louvre se ha impuesto como “el Museo de los Museos”. Visitado por más de 10 millones de personas al año, conforma un microcosmos completo de oportunidades fotográficas.
Un lugar abierto, popular, generoso, accesible y con excepcionales espacios de arte donde la arquitectura moderna se funde en perfecta armonía con el majestuoso palacio marcadamente simétrico.
El museo, su entorno y su vida es una tentación fotográfica que ha cristalizado en la exposición 12 horas en el Louvre. Los pasajes de acceso a la explanada, la propia explanada, la genial pirámide de Pei, la reorganización de los espacios bajo la pirámide inundados de la luz que atrae la propia pirámide, los lucernarios, los juegos de luces y sombras, de simetrías, de texturas, y perspectivas….ha reforzado mi necesidad de elogiar las sombras y reverenciar las luces, envuelta entre obras de arte, belleza y emoción.
La dimensión humana, el ir y devenir de almas en busca de arte, dan vida al proyecto. El contraste entre la quietud de la obra de arte, inmóvil, siempre la misma, y la vida que desprenden quienes ante ellas se sitúan, siluetas fugaces, rostros indiferentes, sorprendidos o seducidos y “selfie fotografiados”, terminan por ser parte esencial de este proyecto.
Biografía
Nacida en Úbeda. Es Doctora en Veterinaria y fotógrafa de vocación.
La fotografía forma parte de su tiempo libre y de su concepción del disfrute. Principalmente es una fotografía temática de reportaje y de viajes y se ha convertido en compañera inseparable, tanto que no concibe ver el mundo si no es a través de los ojos de una cámara, con esas imágenes va componiendo su relato como lo haría un escritor con su diario.
Su obra ha sido expuesta en Nueva Delhi, Agra, Francia (Perpignan en el visa off) Berlín, Colombia, Photoespaña 2012, I Bienal Fotográfica de Úbeda, Málaga, Córdoba, Badajoz, Mérida, Palencia, Cáceres, Antequera, Puerto Real, Pontevedra, Vitoria, Irún, Huesca, A coruña, Oviedo, Bilbao, Santander, Logroño, Zaragoza, León, Segovia, Castelló, Girona, Barcelona, Valencia, Cartagena, Ciudad Real, Sevilla, Granada, Jaén, Toledo, Úbeda, Guadalajara, Santiago de Compostela, Madrid…
Su trabajo fotográfico ha sido reconocido en numerosos concursos nacionales e internacionales (Médicos del mundo, ASISA, AFOCER, PhotoEspaña 2012, Concurso Iberoamericano de fotografía documental, Caminos de hierro, el placer de leer, Canson Infinity, Alliance Francaise, National Geographic…
www.katygomez.es

- Ausín Sáinz:

Obras agónicas y otras patologías. Memento Mori.
Artista multidisciplinar, provocador y removedor de conciencias, Ausín Sáinz (Burgos, 1969) crea instalaciones integrales mezclando diferentes técnicas plásticas con una gran carga reflexiva y crítica.
El realismo del medio fotográfico le permite fantasear, dentro de barroquismo, con el ser humano y sus tormentos. A base de numerosas fotografías, realizadas con una cámara digital, realiza composiciones complejas. Monta las imágenes por el sistema de collage. En todo momento se somete a la realidad, para ello remata la composición ajustando luces, colores e incorporando pintura.
Los fotomontajes de esta muestra desarrollan, dentro de un ambiente retro, una preocupación común al género huma desde sus orígenes; la vida tras la vida, bien por el recuerdo del ser fallecido, bien por la generación de la propia vida. Clasifica las obras en: vanidad, orgullo, caducidad e infinitud.
Estas obras nos retrotraen en el tiempo. Las recreaciones más antiguas, vanidad y orgullo, están inspiradas en la edad de Oro española. En esta época, si bien florecen las artes, la sociedad padece una importante crisis demográfica, social, institucional, económica y de valores. En la España actual también estamos sufriendo efectos similares. Los personajes son atemporales en el apartado de la caducidad. En la infinitud se centra en el siglo XIX, con la primera Revolución Industrial. Reinterpreta el deseo del hombre de crear la vida a partir de los conocimientos científicos y mecánicos del momento.
Realiza una recreación totalmente libre, generando anacronismos intencionados, como la reproducción de las ropas o la inclusión de las conexiones, aludiendo al alto grado de dependencia de los dispositivos electrónicos en la actualidad. Las carnes desgajadas, destacan en estos personajes cargados de dignidad.
Formado en la Facultad Bellas Artes de Salamanca donde realizó las especialidades de Pintura, Escultura, Diseño Gráfico y Comunicación Audiovisual, Ausín Sáinz ha recorrido un largo camino desde sus inicios hasta sus últimas videocreaciones e instalaciones urbanas. Su obra, de estética figurativa y barroca, inquietante y nada complaciente, ha podido contemplarse en numerosos espacios tanto de España como de países como Italia, Canadá, Finlandia o Brasil.
http://ausinsainz.weebly.comausinsainz@hotmail.com


- María María Acha-Kutscher:

365 días
365 días es parte del proyecto Womankind (Mujermanidad), una extensa producción de series de collages fotográficos digitales, creados a partir de imágenes de archivo, de Internet, revistas, libros y fotografías tomadas por la artista.
En Womankind hay una apropiación y resignificación de las imágenes con las que se ha ido construyendo la historia de las mujeres desde la invención de la fotografía, donde normalmente han aparecido relegadas a un segundo plano, dentro de relatos hegemónicos de corte paternalista. Los collages rescatan una memoria histórica femenina, reflejando tanto su lucha política como la complejidad de su mundo privado. Las mujeres son las protagonistas y las imágenes se convierten en documentos ficticios.
365 días es una instalación de medidas variables de 365 collages fotográficos de pequeño formato creados a modo de diario. En 2012 la serie recibió las Ayudas a la Producción de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid y ganó el premio EAC del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert.
Biografía
María María Acha-Kutscher (Lima, Perú 1968). Vive en Madrid y trabaja globalmente.
El centro de su trabajo es la mujer. Su historia, la lucha por la emancipación y la igualdad, la manera en que se ha construido lo femenino en la cultura. Acha-Kutscher se define como artista feminista por la dimensión política de su obra; organiza su trabajo en proyectos de largo plazo, para cada uno de los cuales desarrolla un lenguaje y una metodología propios.
Su obra se ha expuesto nacional e internacionalmente. Ha recibido ayudas y premios del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, el Ministerio de Cultura, la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid. En 2012 obtuvo una Mención de Honor del premio Iberoamericano Cortes de Cádiz y el premio adquisición en la VI Convocatoria de Mulier Mulieris. En 2014 recibió el premio de la XV Bienal de fotografía del Centro de la Imagen (México).
Su obra se encuentra en colecciones institucionales y privadas en España, Alemania, México y Perú.

- Alaa Chnana:

Refugio
Este proyecto, fruto de varios años de trabajo con organizaciones humanitarias en la crisis de Siria, se centra fundamentalmente en la infancia, como reflejo de la parte más vulnerable y dramática de la crisis humanitaria. Los efectos de la guerra quedan registrados en sus ojos como el testimonio vivo de una generación marcada, perdida y afectada; miradas que hablan un lenguaje directo al espectador y que incita a no quedarnos impasibles, reflexionando sobre lo que ocurre en este conflicto del oriente mediterráneo.
Alaa Chnana es un buscador de la belleza que rebusca en la crudeza de un conflicto en el que, como siempre, las personas más desafortunadas son la población infantil y los jóvenes, perdidos y desorientados en campamentos de refugiados donde viven, una tierra de nadie. Sus imágenes tienen la fuerza de una realidad que desgarra y grita basta. En sus cinco años en campos de refugiados ha dejado constancia, con el objetivo de su cámara, de la vida cotidiana de las personas refugiadas, su fotografía anda por el filo de la navaja donde hay llantos y alegría, desesperación y esperanza, sueños y realidad… A veces los rostros pierden sus miradas, como si escaparan del momento, para viajar a sus casas y a sus vidas pasadas.
La Plataforma “Córdoba Ciudad Refugio” promueve este proyecto expositivo como una herramienta más de sensibilización de la ciudadanía, intentando no olvidar y mantener en actualidad la situación de millones de personas refugiadas en el mundo y abogando por sus derechos y por nuestra solidaridad con ellos.
Biografía
Alaa Chnana. Nacido en el año 1968 en la ciudad de Amman, Jordania, de padres sirios. Instalado y nacionalizado español en el año 199l. Graduado en Psicología por la Universidad de Damasco 1991. Estudia fotografía en 1989 y trabaja como ayudante con el director sirio, de renombre internacional, Muhammad Malas, en la película ¨La noche¨, 1990. Trabaja en el ambiente fotográfico en Madrid en concreto con el cámara español Carlos Ulises Martín Gómez durante 8 años. Ha realizado exposiciones fotográficas en Madrid, Damasco, El Cairo y Beirut.
Ha dirigido las siguientes creaciones: “El inmigrante”, Madrid, 1997 – “Ida y vuelta”, Damasco 2010 – “La sangre libre”, El Cairo 2011 – “Masacre a las orillas del Tigris¨, Turquía 2013 – ¨Las águilas del aire¨ Turquía 2013 y “Sin señal”, Líbano 2015, esta última ha sido seleccionada para participar en diferentes festivales.
Por otro lado ha traducido 9 libros del español al árabe, como “El diario de Frida Khalo”, “Las Venas Abiertas de America Latina” de Eduardo Galeano, algunas novelas de Mario Benedetti y Juan Carlos Onetti. Lleva trabajando desde hace 2 años en una película sobre la población siria que atraviesa el mar mediterráneo desde Turquía hacia Grecia. Ha obtenido premios y certificados honoríficos por su trabajo fotográfico en diferentes países.
http://alaachnana.com

CONFERENCIAS:



- Antonio Jesús González:

Fotoperiodistas y Fotografías de la Guerra Civil en Córdoba

La Guerra Civil española siempre ha sido calificada por los historiadores como un campo de pruebas de las grandes potencias europeas para las nuevas armas y estrategias bélicas que implantaron durante la II Guerra Mundial. De igual forma, la fotografía y la prensa fue usada por primera vez en la historia como un arma de guerra más al servicio de la propaganda de los contendientes. Sin duda, es un momento histórico para la fotografía mundial, ya que los profesionales de guerra trabajan de forma pionera con las ligeras cámaras de 35mm, lo que unido a su implicación ideológica y la empatía con la población civil que sufre en primera persona el drama de la guerra, propician el nacimiento del fotoperiodismo moderno en la provincia de Córdoba.
Esta instrumentalización del fotoperiodismo ha sido poco estudiada y esta conferencia intenta analizarla a través de las imágenes del conflicto obtenidas en los frentes de la provincia de Córdoba. Un análisis que también compara los diferentes usos, estéticas y valores de la fotografía en los medios y fotógrafos de ambos bandos. Asimismo, se realiza un censo de los principales fotógrafos que trabajaron en la provincia durante la guerra y se acompaña de una amplia selección de reproducciones de periódicos, revistas y fotografías del periodo con las que esbozar la imagen bélica de la conflagración en Córdoba.
Antonio Jesús González (Córdoba, 1968)
Cursa estudios de fotografía en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos Mateo Inurria de Córdoba y postgrado en la Universidad Autónoma de Barcelona en Archivística y Conservación de Fotografía antigua. Redactor Gráfico y responsable del Archivo de Diario Córdoba desde 1986 y corresponsal de la agencia Efe en Córdoba entre 1991 a 1994. Investigador y estudioso de la historia de la fotografía cordobesa y andaluza, ha escrito los libros La Mezquita de plata, un siglo de fotografías y fotógrafos de Córdoba (1840-1939), Córdoba siglo XX, Noticias, prensa y fotoperiodismo en Córdoba, Postales Andaluzas, El coleccionista de instantes, y Fotógrafo de Guerra. Además de su labor periodística realiza paralelamente una obra personal con la que publica los libros Corredera, Una Plaza y Sus Gentes, Fiestas de Guardar, Entre dos Luces y Sombras.

- José Manuel Serrano Esparza:

Robert Capa en Cerro Muriano, 5 de Septiembre de 1936: La Leica II (Model D) capta el Miedo a la Muerte. Arenga en la Finca de Villa Alicia y Huida de los Refugiados del Pueblo. Génesis del Fotoperiodismo de Guerra Moderno

El 5 de Septiembre de 1936 Robert Capa realiza en Cerro Muriano (Córdoba) dos de los diez reportajes más importantes de toda la Historia de la Fotografía Mundial:
a) Reportaje La Arenga en la Finca de Villa Alicia, muy próxima a Cerro Muriano, aproximadamente 1 km al suroeste del pueblo. Capa fotografía al mediodía del 5 de septiembre de 1936 a un abundante contingente de milicianos anarquistas de la CNT y la FAI de Alcoy (Alicante) así como a milicianos andaluces de pie con semblantes que reflejan angustia y miedo a la muerte, mientras dos jefes anarquistas subidos en un gran tonel les hablan intentando darles ánimo para el combate, ya que las tropas franquistas del Ejército de África están a punto de atacarles.
b) Reportaje La Huída de los Refugiados de Cerro Muriano. Aproximadamente a las 15:00 h del 5 de septiembre de 1936 el general Varela ordena el bombardeo del pueblo de Cerro Muriano por parte de la aviación franquista. Ello provoca el pánico entre la población civil, que huye en masa del pueblo con lo puesto para salvar sus vidas a través de la salida norte caminando 12 km a pleno sol junto al tramo de vía férrea Córdoba-Almorchón que une Cerro Muriano, la Antigua Estación de Tren de Obejo y El Vacar.
El principal objetivo de esta conferencia es poner en valor estos dos fabulosos reportajes realizados por Capa, sin ningún género de dudas dos de las cimas diacrónicas del fotoperiodismo mundial y mucho más importantes tanto desde un punto de vista fotográfico como humano que la icónica fotografía del Miliciano Abatido.
José Manuel Serrano Esparza (Madrid, 1963)
Miembro de la Sociedad Histórica Leica de Estados Unidos. 
Fotógrafo profesional sin talento. Ha publicado artículos sobre fotografía de blanco y negro, color, cámaras y objetivos, grandes maestros de la fotografía y diseños ópticos en diferentes revistas nacionales e internacionales como Viewfinder, Digitalis Foto Magazin, FV Foto-Video Actualidad, China Photography, Film und Foto, Flugzeug Classic, Aviación General y Deportiva, Más Arte Guía del Arte y otras, además de realizar abundantes reportajes sobre obras de arte, arqueología, enclaves turísticos, MotoGP, aviones clásicos con motor radial a pistón y reactores, tecnología estado del arte, acontecimientos culturales, competiciones deportivas FIBA, NBA, FIFA, UEFA, campeonatos del mundo de acrobacia aérea y otros.
elrectanguloenlamano.blogspot.com


- Gervasio Sánchez:

Sarajevo 25 años Después

El 6 de abril de 2017 se cumplen 25 años del inicio de la guerra de Bosnia-Herzegovina y del cerco de Sarajevo. 250.000 bosnios fueron asesinados o desaparecidos, de lo que 16.000 eran menores de edad. Sólo en Sarajevo murieron 643 niños. Hay más de 25.000 menores huérfanos de padre o madre en todo el país. 2,5 millones y medio de habitantes (60% de la población total) tuvieron que abandonar sus casas víctimas de la limpieza étnica. La mitad sigue viviendo fuera de las fronteras de Bosnia-Herzegovina o mantiene el estatus de desplazado interno.
La guerra duró tres años y medios hasta la firma de los acuerdos de paz en diciembre de 1995. Pero sus consecuencias siguen presentes en la sociedad bosnia. Se siguen buscando a los miles de desaparecidos y se sigue desminando un cuarto de siglo después. Los puentes entre las diferentes comunidades siguen destruidos y las divisiones políticas hacen inviable cualquier cercanía a corto plazo. Una vez más se demuestra que la guerra no acaba hasta que las consecuencias se superan.
Nalena Skorupan es uno de los símbolos de la tragedia. Su casa recibió el día de Reyes de 1994 un regalo envenenado en forma de proyectil que decapitó a su tía y le produjo serias heridas en el rostro. Aunque sólo tenía dos meses de vida, no era la primera vez que la muerte la visitaba: su padre murió sin conocerla mientras combatía en uno de los frentes de la ciudad. Quizá por eso Nalena renunció a la vida dos días después del ataque. Su tumba está cubierta por un bancal de cemento y es tan pequeña como era su cuerpo.
Gervasio Sánchez (Córdoba, 1959)
Periodista desde 1984, vive en Zaragoza desde hace 30 años. Sus trabajos se publican en Heraldo de Aragón y sanchez.3 La Vanguardia; colabora con la Cadena Ser y la BBC.

Autor de varios libros fotográficos entre los que destacan: El Cerco de Sarajevo (1995), Vidas Minadas (1997, 2002 y 2007), Kosovo, crónica de la deportación (1999), Niños de la guerra (2000), Sarajevo, 1992-2008 (2009), Desaparecidos (2011), Antología (2012) y Mujeres de Afganistán (2014), etc.


Es enviado especial por la paz de la UNESCO desde 1998, Premio Nacional de Fotografía en 2009 y Gran Cruz de la Orden Civil de la Solidaridad Social del Gobierno de España, entre otros muchos reconocimientos.

- Cristian Domínguez Rein-Loring

La revolución de la captura de imagen: Lightfield, fotogrametría y nuevas tecnologías para realidad virtual.

Desde los primeros daguerrotipos, el hombre ha vivido obsesionado por la captura de imagen. 

La imprevista llegada de los cascos de realidad virtual al mercado de consumo ha acelerado el desarrollo de tecnologías con las que hace unos pocos años solo podíamos teorizar.

En esta conferencia, haremos un pequeño viaje de 45 minutos por las últimas tecnologías de captura y proyección de imagen, analizándolas brevemente con la intención de comprender el estado del arte actual de cada una de ellas. Veremos casos de uso, ejemplos reales y hablaremos abiertamente de este futuro presente que nos afecta a todos.

Fotografía 360: El nuevo formato al alcance de todos. 

Tras décadas de intentos de implementación de este formato, los principales medios de distribución de contenido audiovisual han dado los primeros pasos para aceptar la fotografía (y el vídeo) 360 al mismo nivel que el texto, la imagen o el vídeo tradicional.

Con sistemas de captura instantánea en manos del gran consumidor, es nuestra responsabilidad volver a los orígenes y recordar las bases de la fotografía esférica en pos de ayudar a la implementación del formato. Es importante comprender cuándo, cómo y por qué se consume la fotografía 360, entender las diferencias y especificaciones de la captura y la proyección, así como el impacto que tendrá sobre el mundo del consumo audiovisual.

Cristian Domínguez Rein-Loring (Cádiz, 1989)

Ha pasado toda su vida en Bilbao. Director de fotografía y cofundador de New Horizons VR, empresa líder de producción de experiencias de realidad virtual para grandes marcas entre las que se incluyen Disney, Ferrari, Audi, Iberdrola, Telefónica y El País, entre muchas otras. Como director de fotografía, su principal responsabilidad es el desarrollo de tecnologías de captura para realidad virtual, encontrando el equilibrio entre la creatividad del proyecto y las posibilidades técnicas. Sus frecuentes visitas a Silicon Valley y las fuertes relaciones con la industria de Hollywood le ayudan a tener información de primera mano sobre las últimas innovaciones tecnológicas.

www.newhorizonsvr.com
@newhorizonsvr

- Joan Fontcuberta:
La Furia de las Imágenes


¿Qué queda de la fotografía en la era de la postverdad y los selfies, de las ventanas indiscretas de Facebook y de las sirenas del consumo, de los emoticones y del spam? ¿Quién entonará la elegía del arte de la luz? Cuando creíamos haber obtenido todas las respuestas al enigma de nuestra memoria fijada sobre sales de plata, la actualidad nos ha cambiado intempestivamente todas las preguntas.
Hoy nos enfrentamos a la globalización feroz y la economía virtual. El capitalismo de las mercancías ha sido engullido por un capitalismo de imágenes. Habitamos una sociedad hipermoderna marcada por el consumo, la cuantificación, el exceso y la urgencia. 

Descubrimos el mundo a través de pantallas digitales que dan acceso a una realidad fluida, compleja y vigilada. Internet, las redes sociales, los teléfonos móviles y las cámaras de vigilancia generan una sobresaturación en la que las imágenes ya no son sumisas mediaciones entre el mundo y nosotros sino que se vuelven activas y furiosas. Representan el advenimiento de la iconocracia: la tiranía que la imagen ejerce sobre nosotros, que nos ha relegado de soberanos a súbditos.
Hoy más que nunca los fotógrafos tenemos la responsabilidad de intentar recuperar la soberanía sobre las imágenes.
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955)
Es fotógrafo, ensayista, docente y comisario de exposiciones. Su trabajo de creación se ocupa de los conflictos entre naturaleza, tecnología, fotografía y verdad, siendo objeto durante cuatro décadas de numerosas muestras personales y publicaciones monográficas. Ha publicado varios libros de temáticas relacionadas con la historia, la estética y la pedagogía de la fotografía: los dos últimos títulos han sido La cámara de Pandora. La fotografí@ después de la fotografía (Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2010); y La furia de las imágenes. Nota sobre la postfotografía (GalaxiaGutemberg, Barcelona, 2016). Obras suyas se encuentran en las colecciones del MoMA (NY), Metropolitan Museum of Art (NY), San Francisco MoMA, NationalGallery of Art (Ottawa), Centre Georges Pompidou (ParÍs), StedelijkMuseum (Amsterdam), MACBA (Barcelona) y MNCARS (Madrid).

- Angela Sairaf:

Fotografía y ceguera. La Paradoja Posible

¿Cómo puede un ciego tomar fotografías? Dijo Roland Barthes en su emblemático libro “La Cámara Lúcida” que el órgano de la fotografía no es el ojo, sino el dedo. Haber estudiado y acompañado a varios fotógrafos ciegos me permitió un amplio entendimiento acerca de su fuerza, su fragilidad y las penalizaciones que sufren por la privación de un sentido. Sin embargo, no ver no es lo mismo que no tener visión. Además, la ceguera muchas veces acaba por permitir a ciertas personas interactuar con el mundo de manera inusual, admirable y posiblemente más creativa que aquellos cuya función visual está intacta. Creativa y técnicamente capacitados, los fotógrafos ciegos han desarrollado técnicas propias produciendo obras llenas de intensidad que están muy lejos de ser resultado del riesgo o del azar.


Ángela Sairaf (Porto Alegre – Brasil, 1966)

Doctora en Técnicas y Procesos en la Creación de Imágenes por la Universidad Complutense de Madrid y Master en Fotografía Contemporánea (EFTI), recibió 3 becas de formación en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo donde estudió Poesía Visual, Procesos Creativos de una Reportera y Naturaleza de la Fotografía. Su tesis sobre las relaciones entre la fotografía y la ceguera fue galardonada con la distinción “Cum Laude” otorgada por unanimidad. Trabajó por más de 15 años como redactora y fotógrafa para importantes revistas brasileñas. En los años 90 trabajó para una reconocida agencia de modelos en Tokyo. Recibe premios y participa en exposiciones individuales y colectivas en distintos países. Impartió conferencias en prestigiosas escuelas de arte y fotografía como EASDA, TAI, EFTI, APERTURA y en el MACA -Museo de Arte Contemporáneo de Alicante. Su trabajo ha sido publicado en varias revistas de fotografía y exhibido en festivales internacionales como el Paraty en Foco (Brasil), FINI (México), Indian Photography Festival, Budapest Photo Festival, PhotoEspaña y otros. Su obra es parte del acervo del MACRS – Museo de Arte Contemporáneo de Rio Grande del Sur, Brasil y de colecciones privadas.
https://www.angelasairaf.com


- Francisco J. Fernández Bordonada:

El viaje del siglo XXI, Fotografía y Smartphone

Todo ha cambiado y volvemos a redefinir conceptos. Nuevas herramientas, nuevos usos, nuevas costumbres. Todo es cambio, como dijo el filósofo griego Heráclito ya en el siglo V antes de nuestra era. Hoy nos encontramos frente a esta gran encrucijada, también en la fotografía: La inmediatez, la movilidad, la economía de medios, la capacidad de acceso a contenidos y las necesidades de consumo de los mismos aquí y ahora, hacen que la fotografía adquiera una nueva dimensión, ni peor ni mejor, diferente. ¿Estamos preparados para afrontarla?.
La nanotecnología unido a la creciente capacidad de computación aplicada a las cámaras móviles y smartphones, ha entrado con fuerza en el panorama, para transformar nuestra forma de actuar, ofreciendo una serie de ventajas y oportunidades, así como también limitaciones y retos. Idóneo quizá para el aficionado a la fotografía, así como para el viajero que necesita una herramienta, no sólo para capturar instantes, sino mucho más, el Smartphone, se ha convertido en elemento inseparable de viaje de nuestro día a día, por su valioso papel de interconexión y fuente inmediata de acceso a la información. Gracias a un rango inabarcable de aplicaciones de todos los ámbitos, meteorológico, gestión de reservas, mapas, guías, opiniones y valoraciones así como de ayuda y difusión o promoción de incalculable valor en el ámbito laboral y profesional.
Francisco Javier Fernández Bordonada (Madrid, 1968)
Creativo multidisciplinar en medios audiovisuales, ha trabajado como docente, consultor tecnológico, creativo, diseñador gráfico y fotógrafo profesional, y vive en Zaragoza desde hace 44 años. Es fundador de Photolocus, comunidad fotográfica con base en Aragón, que promueve y difunde naturaleza, patrimonio rural y cultura a través de las actividades fotográficas y en donde organiza, coordina e imparte a lo largo del año un número importante de cursos, talleres y viajes a destinos como Islandia, en donde éste 2017 celebra su 24ª edición de viaje fotográfico. Ha publicado en Belle Europe, The Australian Travel Magazine, Bilan,Viagem, The Guardian, Geo Vo yage, National Geographic.

- Juan Manuel Serrano Becerra:

Fotógrafo Juan José Serrano Gómez, la saga de los Serrano
FOTÓGRAFOS Y ACADEMIAS (EN MEMORIA DE JUAN VACAS)

Mesa redonda con:



- Rafael Navarro:

Su obra ha sido expuesta en galerías y museos nacionales e internacionales en más de 700 ocasiones y forma parte de fondos relevantes de instituciones de todo el mundo. Como reconocimiento a su aportación al arte contemporáneo, la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis le ha distinguido con su incorporación como Académico de Número. En octubre de 2013 le ha sido concedido por el Gobierno de Aragón el Premio Aragón Goya. Se trata de la primera vez que este galardón se concede a un fotógrafo.


- Pepe Castro:

Fotógrafo madrileño afincado en Toledo es uno de los fotógrafos de referencia en nuestro país en la disciplina del retrato. Sus workshops y master class son reclamados por toda le geografía española, así como en distintos países de Sudamérica y EEUU. Es miembro de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo, “Olympus visionario”, COO en la revista de fotografía DNG Photo Magazine y Embajador Hasselblad en España. Premio Cope CLM 2015 a la trayectoria profesional. Ha publicado los libros “Penitentes”, “In Corpus”, “Vida interior” y “Faces Book”.



- Francisco Sánchez Moreno:

Su trabajo como redactor gráfico deL Diario Córdoba durante casi 30 años le ha permitido obtener imágenes contundentes de la actualidad que ha compaginado con su faceta más creativa reflejada en las más de cien exposiciones en las que ha participado y en la veintena de premios obtenidos. Destacan series como Caminos de Historia, Sueños, Oscilaciones, Esencia de Sefarad, Académicos. Es miembro de la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba desde 2012.

TALLERES



- Polaroid, La Fotografía Instantánea:

  Dirigido por Pascuale Caprile.


Los fotógrafos que recuerden con nostalgia aquéllas imágenes instantáneas en color que aparecieron a mediados del siglo XX, que se hacían con las cámaras conocidas como “Polaroid” y que desaparecieron de las tiendas especializadas hace tan sólo unos pocos años, tienen ahora la oportunidad de volver a utilizarlas para conseguir copias instantáneas. Caprile ha apostado desde su empresa en Madrid por el resurgimiento de la fotografía analógica precisamente en la imparable era digital, y habitualmente convoca cursos y talleres con este tipo de cámaras y películas con manipulación de emulsiones y composición de cuadernos de viaje.
La Bienal proporciona ahora una cámara y una carga de película instantánea a cada una de las 10 primeras personas que cumplimenten el boletín de inscripción, organizando una salida por las calles de Córdoba para experimentar y disfrutar de la fotografía instantánea de la mano de este gran fotógrafo profesional que ayudará a conseguir los mejores resultados.


PASQUALE CAPRILE
Madrid, 1958
www.caprilephoto.es
Fotógrafo español de padres y abuelos italianos y embajador lomográfico en España, está especializado en fotografía de autor, publicitaria y comercial, destacando por su capacidad para experimentar con la luz, el color y la imagen. Tras 3 años estudiando administración de empresas, viajó a Londres y se licenció en el London College of Printing en fotografía publicitaria y fotoperiodismo. En 1979 estuvo trabajando 2 años como asistente del fotógrafo John Chalis, especializado en fotografía comercial y publicitaria. También colaboró con revistas y agencias publicitarias y fue corresponsal de la revista náutica Bitácora. De vuelta a Madrid en 1982 comenzó a trabajar para alta joyería, y posteriormente montó Estudio P7, colaborando con revistas de decoración como: Nuevo Estilo, Casa 16, Mucho Más, El País Dominical, Casa Vogue, Telva, Elle Decoración, etc.
A finales de los 90 fue pionero en fotografía digital (hoy en día no ha abandonado la analógica) y colabora en grandes campañas de publicidad. Realiza la fotografía de varios libros de cocina. En la feria Photokina en Colonia, toma contacto con la Sociedad Lomográfica, convirtiéndose en su embajador en España, organizando el Primer Congreso Internacional Lomográfico en Madrid. Es un trabajador incansable, realizando encargos publicitarios, montando diversos proyectos propios, organizando eventos fotográficos y exposiciones. También le gusta y disfruta con la docencia, habiendo creado una escuela de fotografía.
Premios: 2006.Spider Award “Black & White. “Abstract”–Serie Spatium; 2005; International Photography Awards. Fine Arts”U.S.A–SerieSpatium; 2004.Lux de Plata de la AFP. España; 2001.Alimentos de España; 1994.London Internacional Advertising Awards.
Exposiciones: individuales en Madrid, Barcelona, Cádiz, Olot, Zarautz, y colectiva en Pekin.



- Minutos Olvidados. La Cámara Itinerante:
Impartido por tres fotógrafos cordobeses: Manuel Torres, Begoña Rosa y Diego Cabello.


Como fotógrafos cordobeses itinerantes, se instalarán en la vía pública con su cámara antigua y un laboratorio ambulante para realizar retratos analógicos de gran formato.
Los participantes podrán observar todo el proceso fotográfico, desde la obtención del negativo a la realización del positivo en blanco y negro. Los resultados se irán exponiendo. Una vez finalizado el evento, las fotografías serán entregadas a los retratados.
Sally Mann dijo que “las fotografías abren puertas al pasado, pero también permiten echar un vistazo al futuro”. Minutos Olvidados es una apuesta de estos tres fotógrafos por crear un encuentro entre las técnicas del pasado y su integración en la estética del presente, que es proyecto de futuro.


- Escuela de Fotografía: Photoshop Esencial:
  
   Dividido en tres secciones:




a) Revelado de Blanco y Negro desde Objetos Inteligentes, por José Antonio Grueso.

JOSÉ ANTONIO GRUESO (Navas de la Concepción/Sevilla, 1961).

Fotógrafo de formación autodidacta, ha impartido cursos y talleres tanto de fotografía analógica como digital. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales y ha recibido numerosos premios en el ámbito de la fotografía.




b) Técnica del Fotomontaje Creativo, por Fernando Sendra.

FERNANDO SENDRA (Córdoba, 1978).

Estudia en la facultad de Bellas Artes de Sevilla y actualmente reside en Córdoba donde desarrolla su trabajo como fotógrafo profesional. Ha impartido cursos y talleres de Fotografía, Edición y Retoque Digital, Photoshop, etc, tanto para instituciones, empresas y centros de formación como para colectivos artísticos y profesionales.




GABRIEL BRAU (Cardedeu/Barcelona,1957).

Se inicia en el mundo de la fotografía en el año 1976 y se dedica profesionalmente a ella desde 1989.De formación autodidacta, durante casi 30 años ha desarrollado su actividad profesional en el campo de la fotografía industrial, publicitaria y comercial con estudio propio, al mismo tiempo que sus trabajos personales y de autor. Actualmente combina los trabajos fotográficos de carácter documental con la docencia y la formación fotográfica.


c) El Nuevo Tratamiento Fotográfico de la Imagen Digital, por Gabriel Brau.

CICLO DE CINE DE CONFLICTO

Organizado por el Ayuntamiento de Córdoba y Filmoteca de Andalucía, es uno de los más completos programas cinematográficos sobre guerra exhibidos hasta la fecha a nivel mundial en festival fotográfico alguno:

- Miércoles 5 de abril a las 18:00 h
  Victoria de la Vie, 1937 (Henri Cartier-Bresson)

- Viernes 7 de abril a las 18:00 h

   Sierra de Teruel, 1938-1939 (André Malraux)

- Miércoles 19 y viernes 21 de abril a las 18:00 h

  The Spanish Earth, 1937 (Joris Ivens)

- Miércoles 19 y viernes 21 de abril a las 18:00 h
  España 1936, 1937 (Jean Paul Le Chanois)

- Miércoles 26 de Abril a las 18:00 h
  The Fog of War: Eleven Lessons from the Life of Robert S. McNamara, 2003 (Errol Morris).

- Viernes 28 de abril a las 18:00 h
   Cartas desde Vietnam, 1987 (Bill Couturié)

- Miércoles 3 de mayo a las 18:00 h
  La commune (Paris, 1871), 2000 (Peter Watkins)

- Viernes 5 de mayo a las 18:00 h 
  Spiritual Voices. From the Diaries of War, 1995 (Alexander Sokurov)

- Miércoles 10 de mayo a las 18:00 h
  La Imagen Perdida, 2013 (Rithy Panh)

- Viernes 12 de mayo a las 18:00 h
   The Act of Killing, 2012 (Joshua Oppenheimer)